lunes, 31 de mayo de 2010

COLOREANDO FRUTAS

Enrique Parro.

En esta última semana nos hemos dedicado a colorear en primero de ESO. Parece muy fácil, nos lo enseñan desde que somos pequeños, sin embargo, no siempre le sacamos todas las posibilidades a las pinturas de toda la vida.





Alejandra Lasheras


Para empezar , se ha aprovechado para sombrear y conseguir el color. Para conseguirlo, se han aplicado las teorías de los contrastes complementarios de Chevreul


Ana Altares.

Nuestras naranjas tienen las sombras en azules y morados, las manzanas verdes en rojos y los limones en morados. Si se amplian las fotos se puede ver bastante bien que cada pieza se ha sombreado con un conjunto de tonos de lo más elaborado.



Sergio Prieto


Alejandro Pérez




Javier Galán





Candela Barroso
Esas profundidades del cuenco les hacen discípulos de los impresionistas, el negro desaparece y se construye en azules y marrones.



Daiana Manaila.

Creo que han utilizado todos los colores de la caja,y algunos tenían más de veinticuatro.

Siento que les voy a echar mucho de menos el año que viene.

domingo, 23 de mayo de 2010

RESTOS DE UN NAUFRAGIO: LAS PINTURAS DE VERGINA




En los años setenta del pasado siglo, un arqueólogo llamado Manolis Andronikos hallaba en Vergina, al norte de Grecia , un conjunto funerario de importancia excepcional. Se trataba de tres cámaras sepulcrales, en algunos casos con tesoros intactos, como una magnífica corona de hojas de oro. Lo más importante es que uno de los sepulcros ha sido identificado con el de Filipo II, padre de Alejandro Magno, y los otros son de una joven y un muchacho, además de un niño muy pequeño. Se piensa que pertenecían a personas de la familia real, pero todavía no podemos saber exactamente quienes eran.
Pero la tumbas de Vergina ocultaban un tesoro mucho más fascinante que el oro. Se trata de las pinturas al fresco que las decoraban. No sólo son las únicas conservadas de la época, sino una de las poquísimas de toda la historia de la pintura en la Grecia antigua.

Llenar el vacío de la pintura griega es uno de los grandes pérdidas de toda la historia del arte. Recuerdo haber estudiado que la cerámica nos permitía un pálido reflejo de su estilo e iconografía. Y el hallazgo de los frescos de Vergina da la razón a todos los que pensaban así.

De entre todas las pinturas, la más bella es la llamada "El rapto de Perséfone", hallada en la tumba más pequeña, y por desgracia, incompleta.

En ella, se escenifica uno de los mitos griegos relacionados con la muerte y con las estaciones.El dios Hades , señor de los infiernos, se lleva en su carro a una jovencita a la que ha visto cogiendo flores. En su reino de ultratumba , la convierte en su esposa, pero la madre de la joven languidece de pena por su ausencia. Y como esta mujer es Démeter, diosa de las cosechas, éstas no brotan y los seres humanos corren peligro de morir. Así que Zeus propone un acuerdo a Hades. Perséfone será cedida a su madre durante seis meses, en los que brotará la vida en la tierra (primavera y verano) y los otros seis los pasará en el inframundo (otoño e inverno) , con su esposo.El mito es muy apropiado para la tumba de una mujer joven , como es el caso.

Aspecto general de la cámara funeraria. A la izquierda, el rapto de Perséfone.

Contemplar esta pintura es enmudecer de asombro, y lamentar lo que nos hemos perdido si se hubieran conservado más. Decían los propios griegos que Apeles, el pintor de Alejandro, era el más dotado de los artistas. Tanto era así, que un artista que se atrevió a desafiarle tuvo que reconocer su supremacía cuando quiso descorrer una cortina inexistente que cubría el supuesto cuadro de Apeles. El gesto, que demostraba que el trampantojo había cumplido su función , fue el sello de su triunfo. ¿Sería muy superior el arte de Apeles al pintor de Vergina?


www.sandrashaw.com/images/AH1L23Pers2.jpg




El fresco de Vergina muestra una disposición narrativa sin continuidad hasta 1800 años después. Es un momento dramático, captado con la mentalidad de congelar un instante en su plenitud gestual. Estamos en los incios del artificio helenístico. El carro de Hades acaba de arrebatar a Perséfone, que se debate entre sus manos. El cabello de ambos se muestra en ondulaciones que recrean el movimiento, así como los paños ondulantes que cubren la figura femenina. El dios, con la otra mano, guía su carro que tiene que alejarse lo más pronto posible de allí. Se puede ver parte de la cola del caballo, también en plena carrera, con el pelaje ondeando al viento. Pero, lo más sorprendente es el escorzo. A lo mejor me equivoco, pero creo que es uno de los primeros escorzos de la pintura occidental.(Vicente, corrígeme si conoces otros).
Plasmar un carro de perfil era algo que ya se había resuelto desde hacía mucho en el arte oriental, pero este carro se dirige, en diagonal, hacia nosotros, como se puede ver por el dibujo de la rueda, elipsoidal y no circular.




Además del escorzo, crean efectos de gran dinamismo la posición de las cabezas y la dirección de la mirada. El cuerpo de Hades está frontal a nosotros, mientras que su cabeza está en tres cuartos. Una posición habitual para nosotros pero no tanto para los acostumbrados perfiles de las cerámicas. Y sus ojos, en vez de mirar al camino que tiene delante, se ven atrapados por la presa que ha cobrado, de reojo, consciente de su furtivismo. El pie de Hades todavía está en el suelo, mientras que se sube al carro con el otro.Perséfone dirige su mirada implorante al mundo que ha dejado. El gesto de la mujer incompleta que está agachada demuestra también su sorpresa e impotencia. Delante del carro, Hermes corre mientras sujeta un caduceo en la mano.
Además de la composición de la escena, el fresco de Vergina aporta algo fundamental. Las técnicas pictóricas. comprobamos la delicadeza de los matices de los pigmentos utilizados: amarillos, carmines y tierras rojas. ¿Y cómo lograr el volumen? Era algo que la cerámica no podía enseñarnos. La técnica que utilizan es la del plumeado con un pincel. Requiere una sombra muy tenue, aguada, que en vez de sombrear superficies planas con tonos uniformes, traza líneas que configuran el borde de una superficie. Es una técnica muy rápida , como se requiere en el fresco, y fácil de corregir. De hecho, me ha recordado bastante la de un artista muy posterior, pero gran maestro del fresco, Gian Batista Tiépolo.


La pintura de Vergina es fruto de una mano muy segura y avezada. Si no , no se explican esos simples trazos, casi velazqueños, para sugerir la boca , ojos y nariz de Perséfone. Son monocromáticos y están aplicados , me atrevo a sugerir , "alla prima".


El conjunto de Vergina contiene otras pinturas, entre ellas un fresco de cacería que , por desgracia está mucho peor conservado.



Algunos autores han querido identificar en uno de los cazadores a Alejandro. Lo cierto es que, a pesar del deterioro, es posible adivinar algunos escorzos que corroboran el espectacular grado de desarrollo de la pintura griega, que por desgracia no podremos contemplar.

Si queréis saber más , esta página tiene varios post dedicados al tema:

http://jmmlimia.wordpress.com/images/AH1L23Pers2.jpg

viernes, 21 de mayo de 2010

EXPOSICION DE PERSPECTIVAS

Llega la segunda exposición de la temporada , en el vestíbulo de nuestro instituto, a partir del lunes. Estos son los trabajos que he seleccionado. Creo que son todos buenos, pero de estos algunos son excepcionales.
Para los que no les venga bien acercarse por La Poveda, aquí va un avance de los trabajos seleccionados. Son dibujos de perspectiva cónica central, realizados por los alumnos de primero de la ESO.


Enrique Parro.
Un dibujo magnífico: maduro, original y cuidadoso.
Ana Altares.
Muy bien hecha esa arcada en primer plano, con cúpula y todo.



Alba MªBeltre.
Destacan esas fachadas acristaladas.

Rabia Fazal.
Con su perfección característica, Rabia ha introducido una mezquita con cuatro minaretes.

Sergio Prieto.

En esta callecita de pueblo destacan sus ventanas, balcones y los tejados del primer plano.
Alejandra Lasheras.
El punto de fuga es el centro de la plaza , en una perspectiva cónica desde un plano cenital.

Ana Sánchez.
Se atreve hasta con una catedral , con rosetón y todo
Rubén Altuna.
En su dibujo es de noche, para que destaquen las farolas.Ese balcón, muy logrado.


Raúl Doral.
Muy bien acabado, con iglesita, parque, y el detalle de los charcos.

Y para terminar , dos que se han atrevido con la perspectiva cónica oblicua. En realidad, no se explica hasta tercero, pero a la vista está que son capaces de entenderla y aplicarla con maestría.

Codruta Cont.




Christian Díaz

Felicidades a todos.

sábado, 15 de mayo de 2010

JARRONES SIMÉTRICOS



Rabia Fazal.

Pidiendo ayuda a nuestro lado derecho del cerebro, hemos trabajado estos días en primero con la simetría y el claroscuro. Como siempre, hay quien se atreve con más y ha buscado crear texturas: madera, cristal, telas... y lo que nos queda por ver, que están haciendo unos diseños en perspectiva cónica que me están dejando asombrada.
Esta es una selección de los mejores trabajos. Como siempre,no están todos los que son , pero sí todos , todos los que están tienen una excepcional calidad.

Sergio Prieto




Yedra Lorenzo.


Alejandro Pérez

Raúl Doral



Enrique Parro.



Enrique Caballero.



Christian Díaz


Alejandra Lasheras.


Ana Sánchez

Javier Galán



David de la Fuente

Ana Altares.

Estos dos últimos era el segundo que hacían. Les pedí que lo hicieran transparente para practicar otras superficies. Como se puede ver, no hay reto difícil para ellos.
Creo que es el mejor trabajo que han hecho en todo el curso, y ya es decir, porque los ha habido muy buenos.

jueves, 13 de mayo de 2010

3º PREMIO DEL CONCURSO "AULA DEL MUNDO"

Hoy es un gran día para mí.
También para cinco alumnos de tercero de la ESO.
Y , espero, para todos los que formamos parte de un pequeño instituto situado en el este de Madrid.
En un pueblecito llamado Campo Real.
No es muy grande, ni está cerca de la gran metrópoli, ni se le conoce por tener una zona de urbanizaciones de lujo.
Nuestro instituto es muy joven, sólo tiene cuatro años , y no sale , por supuesto, en las listas de los de más prestigio.

Pero hoy hemos sabido que,

¡¡¡¡ HAN QUEDADO TERCEROS EN EL CONCURSO DE PINTURA DE
"AULA DE EL MUNDO".!!!




El tema de este año era el arte Pop y se presentaron los trabajos que habían hecho de puntillismo. El ganador ha sido este ""Bob Esponja", hecha con puntos de colores que habían obtenido con un taladro de folios. Era un ejercicio que aplicaba el concepto de punto, las técnicas de Lichtenstein, y los iconos de la cultura popular, en este caso actualizadas.

Con infinita paciencia , trabajando codo con codo, los merecedores de este premio han sido:

María Alvaro
Rodrigo Camacho
Carlos Javier González
Cristina González
y Nuria Horcajo.

El día 24 les darán su premio, y espero que no sea el último que obtengan , porque además son unos estudiantes brillantes en todo lo demás.

Y ENHORABUENA también a todos , que hicisteis vuestro trabajo con igual dedicación .... supongo que no podíamos acaparar todos los premios.

En este post podéis ver el resto de sus trabajos.

miércoles, 12 de mayo de 2010

LA CRÍTICA JUZGADA

La necesidad del nacimiento del la crítica de arte viene relacionada con la democratización del arte. La pintura y escultura, las artes visuales , salen de los salones de Reyes y Papas para buscar nuevo público: la burguesía. Y , como en el cuento “El traje nuevo del emperador”, necesita que alguien entendido le indique cómo debe pensar. Qué artistas serán encumbrados y cúales rechazados . Su gran momento es el siglo XIX, donde la influencia ejercida sobre el público va “in crescendo”, hasta que se produce un hecho inaudito: un crítico es llevado a juicio por un artista , que se siente perjudicado por sus opiniones. El artista es James Whistler y el crítico John Ruskin.

En 1877, Ruskin se hallaba en la cúspide de su poder e influencia. Ocupaba una cátedra de arte en la Universidad, y desde allí ponderaba opiniones que habían encumbrado a los Prerrafaelitas. El arte se había corrompido con el manierismo posterior a Rafael , y el camino adecuado era recuperar el estilo anterior a él. Era una pintura de acabado preciosista y decorativa, amanerada en las posturas , que recuperaba mundos míticos como las leyendas medievales o la antigüedad clásica reinterpretada. Burne-Jones , Rossetti y Millais le debían gran parte de su éxito.

Y entonces, acostumbrado a que su palabra fuera ley, se topó con un cuadro en la Galería Grosvenor. El cuadro de Whistler , llamado "Nocturno en negro y dorado.El cohete que cae".



La técnica de Whistler no era novedosa. Un siglo antes, Turner ya había experimentado con ella. Contornos poco definidos, tonos planos con poco contraste, gestual y sintética. Contemporáneo del impresionismo, no apreciaba su gusto por la pintura al aire libre ni por la pincelada corta y untuosa. Era un artista convencido de su excelencia. Whistler tenía la novedosa concepción de que la pintura no debía remitir a un referente externo para tener valor o sentido. Su elección de formas, colores y texturas tenía sentido por sí misma.

Para la realización de la series de la polémica, los Nocturnos, Whistler paseaba en barca al amanecer , guiado por un barquero, para empaparse de las imágenes del río envuelto en bruma y luego elaborarlas en su estudio.


Si en algo estaba en la línea de los impresionistas era en la ausencia de un tema trascendente, la pintura tenía entidad por sí misma, como voluntad del artista. Era un concepto que chocaba frontalmente con el moralismo narrativo de Ruskin. Desde su tribuna en la revista Fors Clavigera, el crítico lo atacó con estas palabras:

“…Nunca creí que tuviera que ver a un engreído cobrar cien guineas por arrojar un cubo de pintura al público” .

Estas palabras tuvieron tal trascendencia que Whistler no pudo vender sus cuadros, y decidió demandar a Ruskin.

El juicio no era otra cosa que la lucha entre dos concepciones del arte: el arte , exento de todo juicio excepto por parte de su creador, o bien, el arte puede ser criticado por entendidos, que lo traducen al público y que juzgan el trabajo del artista según su criterio.


Los Nocturnos de Whistler obedecían a una categoría musical, iniciada por Field y famosa por Chopin. Como los “nocturnos musicales”, son variaciones tonales de un mismo tipo de tema.En este caso, el río Támesis pasado por el filtro de las estampas japonesas, de las que Whistler era coleccionista apasionado. De sus paralelismos musicales habla también sus famosos retratos cortesanos como : Sinfonía en Blanco.


El retrato es una excusa para mostrar la variedad y exquisitos matices de la gama del blanco.

Algunos artistas sirvieron de testigos de la defensa y de la acusación. Especialmente interesante es la opinión de Burne Jones, que testificando a favor de Ruskin, reconoció que a él la obra de Whistler no le aprecía acabada, sino "un bosquejo". Si contemplamos esta obra representativa del estilo de Burne Jones, se comprende que rechazara como inacabada la obra de Whistler.

Burne-Jones.
Merlin


De este Juicio trascendental, merece la pena recordar el diálogo entre el abogado defensor y Whistler que constituye todo un alegato a favor del papel del artista:

-¿Cuánto tiempo le llevó pintarlo?.

-Haciendo memoria un día (…).Bueno, con algunos retoques al día siguiente, dos días.

-¿Está usted cobrando ese dinero por el trabajo de dos días?

-No, estoy pidiendo ese dinero por el conocimiento de toda una vida.

El juicio se falló a favor de Whistler, considerando el jurado que el insulto había sido gratuito y había perjudicado a la reputación del artista. Pero fue una victoria pírrica. A Whistler se le concedió como indemnización …un cuarto de penique, por considerar que ya había molestado bastante al sistema judicial por este nimio asunto.


El artista se hizo un colgante para la cadena del reloj con la moneda. Pero, desgraciadamente , tuvo que vender todo su patrimonio para hacer frente a los costes. Sin embargo, la decisión fue transcendente para Ruskin, que llegó al ocaso de su influencia. Ya nunca una palabra suya podría encumbrar o destrozar a un artista. Ahora se abría otro camino, el de la separación entre público y arte , que parece que todavía no han conseguido encontrarse.

lunes, 3 de mayo de 2010

LA PEQUEÑA ACADEMIA DE BELLAS ARTES

En las últimas semanas hemos estado trabajando el dibujo del natural y el volumen en 3º.

Como si se tratara de una Escuela de Bellas Artes, se ha tratado de que los alumnos se familiaricen con el encajado, la iluminación, el volumen, a través del más sencillo y humilde de los materiales: el carboncillo.

Dibujar del natural no es tarea sencilla: hay que aprender a tomar medidas, a componer el espacio, a abstraer los tonos para trabajar sólo los grises, etc.



Estamos en el proceso, difuminando.


Los dibujos terminados.

Esta era una de las propuestas, la más sencilla. Pero como siempre hay que exigirse más si se quiere obtener más, aquí está la propuesta más compleja.





Tras el encaje de las líneas básicas de la forma del modelo, hemos pasado a dar un tono general de gris, para luego trabaja en detalle las luces y la textura de la tela.

Estos son los tres mejores.
El primero es de María Alvaro, una habitual por aquí. Es el dibujo terminado a partir del esbozo de arriba. El acabado de las perchas y el toque pictórico de los grises son lo mejor de él.




Aquí tenemos a otra alumna magnífica, Miriam Burgos.Qué matices tan bien trabajados en las arrugas de la tela.

Y por hoy , acabamos con Rocío Torres. Muy buena la suavidad de la mancha , y la estructura de los dobleces de la tela.

Un gran trabajo, no tenéis nada que envidiar a algunas clases de Bellas Artes, que , ya quisieran teneros como alumnos.