miércoles, 16 de noviembre de 2011

CARTELES Y TIPOGRAFÍAS

Hacía unos días que había asegurado que iba a subir al blog los trabajos de cultura audiovisual, y aquí están . Son dos grupos de trabajos. Primero estuvimos con las tipografías, intentando inventar una nueva letra y después con el cartel , que era para Halloween y se nos ha pasado un poco, pero han quedado muy bien.


Miriam ha hecho una letra muy robótica, en cuyo interior está la estructura de un juego de comecocos. Como siempre, es muy minuciosa en los acabados y la combinación de colores está muy bien elegida.

Sara ha optado por una linea más clásica, pero muy elegante y que se percibe muy bien.

Nuria ha otado por una letra "arañada", que le da un toque de originalidad a un diseño muy habitual.




David, por su parte m ha mezclado conceptos escultóricos con un toque de grafitti.

Y estos son los carteles . Se pedía que aplicaran reglas del rectángulo de tercios, buen contraste cromático , y que se adecuaran al tema , que era Halloween o Carnaval.


Aida ha hecho unas letras temáticas de lo más trabajadas. No falta ni un elemento: brujas, murciélagos, calabazas y , por supuesto , referencias a la muerte.


Mónica dibuja muy bien y en este cartel lo demuestra.
Una muerte plagada de referencias (tiempo, Guadaña) . Sin embargo respeta muy bien la composición y la percepción , con ese fondo negro que hace que se perciba en toda su potencia.


El de Miriam, más sencillo pero muy cuidado. no se ve muy bien en la foto, pero las letras están inspiradas en la superficie arrugada de las calabazas.


Lorena se ha decidido por el Carnaval. El conjunto está muy compensado gracias a su simplicidad. El diseño de la letra concuerda con el acabado del antifaz y resulta muy armónico.



Y el de Juan que creo que tiene una importante cultura cinematográfica. Las texturas están muy conseguidas y mezcla muy bien el dibujo a lápiz y el acabado recortado.

Mi enhorabuena a todos por el resultado.

lunes, 24 de octubre de 2011

TRAZADOS GEOMÉTRICOS

Damos la bienvenida a los alumnos de tercero de este año, que se estrenan en este espacio. Hay una enorme cantidad de trabajos , porque este curso son cuatro terceros, pero como siempre, hay que seleccionar y los mejores con la escuadra y el cartabón , y con el diseño final han sido éstos:

En primer lugar , Manuel, con su acertada combinación de tonos y un degradado muy bien logrado. Promete este chico.




El de Daniel es de una gran perfección en el trazado . Ha acertado con los tonos suaves que permiten percibir la base geométrica.



El de Alejandro es arriesgado en la combinación de tonos , pero funcionabien. El toque diferente lo dan esos monigotes que parecen escapar del rombo.

El de Cristina está perfecto de realización. Muy difícil que la elección de tonos quede armoniosa, con esa combinación en complementarios, pero con los naranjas y verdes claros lo ha conseguido

Enhorabuena a todos por el trabajo realizado.




lunes, 17 de octubre de 2011

INSPIRACION ROCOCO


Menuda cosecha de perfumes creativos llevamos.. hace unos días Shalimar de Guerlain y ahora sale la nueva campaña de Escada. Las dos son muy buenas y su mensaje está tan perfectamente medido y argumentado que se merecían un comentario.

En la campaña de Shalimar el objeto de deseo era una jovencita morbosamente seductora, que hundía sus raíces en la revolución modernista, ahora nos encontramos con un viaje en el tiempo muy diferente. Nos hemos trasladado a la Francia dieciochesca.Estamos en un cuadro rococó.

El arte que supone el canto de cisne del barroco es dulce, refinado, femenino , despreocupado y forzadamente natural. Es una época que nace estragada del exceso, de la extravagancia cortesana, y que busca recuperar valores como el retorno a la naturaleza. Un retorno que es , desgraciadamente , la naturaleza domesticada del ciudadano. A mí este espíritu me parece que tiene muchas cosas en común con nuestra época, llena de urbanitas que intentan retomar los valores sencillos, sin renunciar a sus comodidades. (casas rurales , campings de lujo).

Pero ¿seguro que este perfume tan moderno se apoya en valores tan antiguos? Dejadme que os lo muestre. Bar Refaeli toma la flor como Eva la fruta prohibida, pero no hay pecado ni tentación.



Es una rosa que hace juego con su vestido, identificando su belleza con la de la naturaleza. Es una pose calcada de otra forzadamente natural .



De este retrato de María Antonieta , realizado por Elisabeth Vigeé-Lebrun, en el que la reina aparece en un ambiente fuera de sus salones y con un atuendo más sencillo que el de los retratos de corte. Se estaban produciendo cambios en la mentalidad de la época, introducidos por los enciclopedistas, la Ilustración y la vuelta a la naturaleza que preconizaba Rousseau.

Influídos por estas ideas, la aristocracia empezó a valorar los placeres del campo, la vida sencilla, hastiados del barrroquismo extravagante de las fiestas de Versalles. Y la promotora del cambio fue precisamente la reina, que construyó su propia granjita en el parque del palacio:Le Hameau.
No dejaban de ser paraísos construídos , que basaban su mundo en conceptos tan artificiosos como la inocencia, la vuelta a la naturaleza y la felicidad.

La inocencia, representada por la modelo natural, sin apenas maquillaje y envuelta en rosa, color de la mujer niña. El mensaje queda reforzado por el concepto de juego, que aparece representado por el parterre a modo de atracción de parque . Esta imagen evoca un mundo infantil, y su comportamiento es igualmente lúdico en su mirada a la cámara.






La vuelta a la naturaleza, representada por el jardín, las flores , los pies descalzos, sin artificiosos zapatos. La unión del binomio Flor-mujer es un recurrente básico en la pintura , pero sobre todo una evocación del verso latino "Collige virgo , rosas.." que se recupera en el Renacimiento e invita a gozar del momento , porque todo se marchita.






Aprovechar la juventud para disfrutar es la idea subyacente bajo la inocencia del columpio de Fragonard . Hace falta ser un poco iniciado para encontrar en este anecdótico cuadro el punto erótico. Pero el hombre de la izquierda está viendo un poco más que las medias de la mujer, y el hombre de la derecha lleva atuendo clerical. Una estatua de cupido pide silencio para la aventurilla.
El guiño a la obra del Fragonard se presenta en los colores, verde para los fondos, rosa el vestido; en la postura, en alto, y en el gesto risueño.Hasta las rosas son las que tanto aparecen en los estampados florales de la época. Muy abiertas, repletas de pétalos, lejos de la sencillez que ahora mismo forma parte de nuestro gusto en flores.


Este estampado floral se inspira en los cuadros de Watteau.

Por último , el mensaje verbal del anuncio dice : Crea tu propio mundo de felicidad, en inglés y esencialmente felices en español. El mundo del rococó es artificial , pero, como hemos visto, pretende ser natural. Se concluye que la idea principal es que la felicidad es un estado que es posible construir artificialmente. Pero el uso del verbo crear es lo que lo hace tan rococó, a mi entender. Crear es sacar algo de la nada, e identifica nuestras creaciones ese mundo propio con conceptos no instrumentales, sino etéreos, puramente ideales... y por supuesto absolutamente inalcanzables. Ni el perfume nos dará la felicidad ni la naturaleza mantenía el jardín de María Antonieta, algo tendría que ver su jardinero.

sábado, 15 de octubre de 2011

EL SEÑOR DEL BIOMBO ATACA DE NUEVO

Hace más o menos tres años me mandaron a trabajar a un destino desconocido y remoto , para una urbanita , Campo Real. Todo era nuevo : el instituto, el claustro, el paisaje y la sensación de salir de la ciudad para ir al campo, no de excursión, sino como meta diaria.

Supongo que en esos dos años, algo enseñé, pero aprendí mucho más. No todo puede alargarse eternamente, y algunos encuentros se han quedado en buenos recuerdos. Pero otros se han convertido en amistades permanentes. Una de ellas se llama Vicente Camarasa.

Permitidme que os presente a la persona que escribe en ese maravilloso blog llamado Sdelbiombo. Es un profesor adorado por sus alumnos, y un compañero generoso con sus conocimientos y su buen humor. Un viajero impenitente, un alma inquieta, y un trabajador incansable, que mantiene, como un malabarista, tres blogs ¡actualizados!

El blog Sdelbiombo es una referencia en el mundo del arte en español. Este curioso nombre se lo puso Vicente precisamente por su libro, que se reedita hoy: EL SEÑOR DEL BIOMBO
El Señor del Biombo es una aventura en el Siglo de Oro, que se lee como un cuento pero que tiene detrás mucho más: crítica social, arte, filosofía. Además, Vicente ha incluído este libro multitud de herramientas y enlaces multimedia para que sea además un instrumento de enseñanza. Seguro que abre un camino fascinante a la didáctica.






Esta es la contraportada del libro. En él se puede ver una sinopsis de una historia que , como he dicho, tiene dentro mucho más de lo que parece.

Para adquirir el libro , este es el enlace

martes, 4 de octubre de 2011

REVIVAL MODERNISTA

Este cartel lleva unos días por las calles de Madrid. Forma parte de una campaña publicitaria de un perfume caro, de gama alta, podríamos decir. Pero la estrategia de venta intenta ampliar su target tradicional -mujeres de edad adulta y alto poder adquisitivo- para tentar a las chicas más jóvenes.


El discurso denotativo nos muestra a una chica desnuda , en blanco y negro, sobre el que se superpone el frasco en color. El lema "parfum initial", cumple dos funciones:
En primer lugar, elevar la categoría del público receptor, que se siente escogido por poder entender las palabras del mensaje, que están escritas en otra lengua. Lo segundo es el significado polisémico de INITIAL. La iniciación al mundo, exótico, elegante, de los perfumes caros... y la evidente iniciación sexual de la jovencita que se presenta en el anuncio.

Hasta aquí, es exactamente la estrategia de los demás perfumes. Lo que lo diferencia, es que ha escogido la inspiración en el mundo del arte. De esta manera se eleva por encima del mercantil mundo de la publicidad para hacer un guiño al espectador más cultivado. La imagen se sostiene en un entramado muy complejo de referencias que vamos a intentar desentrañar aquí.

Para empezar el uso del blanco y negro le da un aire antiguo a la imagen que es pretendidamente buscado. Pero además facilita la percepción visual del color del perfume y el frasco, que, al ser un tono semejante a la piel , pasaría desapercibido sobre una foto en color.







Estas dos fotografías corresponden a la fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron, especializada en retratos de mujeres. Las poses sensuales y lánguidas, y las miradas directas a la cámara , en la segunda, resultan , cuando menos inquietantes. Por otra parte, el uso de la luz lateral contribuye a resaltar los rasgos con un toque amenazador. en la modelo de Shalimar, las sombras de las cejas resaltan unos ojos cuya mirada clara se confunde con los grises de la piel.


Precisamente esas miradas son uno de los grandes hallazgos de los pintores modernistas.




Agrandados hasta extremos hiperbólicos,los ojos de las mujeres de Klimt, Mucha o Khopff son fríos y algo sobrenaturales. Sirenas, nayades, nereidas son mujeres bellas pero temidas y a veces, odiadas.








Como ya comenté en otro post, esta evolución de la mujer bella seducible a la seductora vampírica tiene una raíz compleja relacionada con los cambios en la condición social de la mujer que se vive en el siglo XIX. pero además de los parecidos en el acabado y en la mirada , encontramos otra referencia al arte en la postura.
La manera en que la modelo se coloca , tapando su propio cuerpo , tiene sus raíces en el arte clásico . Según lo definía Kenneth Clark, en su obra "El desnudo", es una típica Venus púdica.
Es decir, un desnudo de mujer que evita mostrar sus partes más íntimas.


Estas dos Venus clásicas muestran el origen de esta iconografía. La primera, la Venus Capitolina, es el referente de todo un tipo recurrente en la historia del arte, del que quizá el ejemplo más conocido sea la Venus de Botticelli.



La segunda es la inspiración de un motivo religioso, la historia bíblica de Susana y los viejos, o la desnudez mostrada a la mirada pecaminosa del hombre.




Nuestra modelo de Shalimar se cubre, a la manera de Susana, pero , si bien su pose es semejante, su actitud es diferente. Ella sostiene la mirada del espectador, no tiene miedo ni parece haber sido sorprendida. Es la mirada modernista , no la barroca . Desafiante, segura y por supuesto más seductora de lo que sería mostrando directamente los secretos de su cuerpo.

Para entender mejor este cambio del gusto que supone el modernismo veamos un salto en tres fases. En la segunda mitad del seglo XIX convive esta evolución del gusto.





La gran odalisca de Ingres es una Venus púdica, pero, a pesar de la belleza de su desnudo, la mirada se nos presenta tan inocente que no causa la menor inquietud.





La Olympia de Manet conserva una parte de la pose original , con una mano cubre el sexo. Pero su mirada es tan descarada y directa que poco tiene de desnudo sorprendido. Este cambio causó , como es bien sabido, un gran escándalo.


Y para cerrar el siglo, la que menos muestra. Danáe de Klimt. Enroscada sobre sí misma muestra el cambio de mentalidad que se ha producido ya. De la inocencia a la autocomplacencia, Dánae no necesita de una mirada exterior para cumplir con la seducción. Sin duda la más cercana a nuestra sensibilidad de las tres.
La modelo de Shalimar bebe de Ingres una cierta inspiración de odalisca oriental, potenciado por el exótico nombre del perfume y el diseño del envase.Pero sus antecesoras son las mujeres del modernismo, que esconden su cuerpo no porque se avergüencen de él , sino porque saben que de esta forma aumentan su caudal de seducción.

martes, 20 de septiembre de 2011

ENVUELTOS EN NEGRO


Aunque es de suponer que Felipe II no sabía nada sobre las leyes de la Gestalt, sus retratos juegan con la aplicación básica para resaltar su figura del fondo, el negro. El rey aparece más magnífico en su sencillez, vestido con terciopelo apenas adornado. Su pelo rubio y tez pálida contrastan con el oscuro de su vestido. Es una aparente sencillez, que esconde una costosa vanidad.Lleva el traje de corte español, heredado a su vez de la corte borgoñona.

Su tercera esposa, Isabel de Valois, añade joyas brillantes y claras sobre el profundo negro para armonizar con sus rasgos (rojo, blanco y negro), sin distracciones superfluas.

Pero esta sobriedad de los soberanos esconde una larga historia de búsqueda : la de la tintura negra. No es muy corriente encontrar en la Edad Media, a pesar de las películas, personas vestidas con ropajes negros. El negro era un color sucio, propio de clases inferiores.


Brueghel. "Los mendigos"

Para empezar, era un tinte inestable, más parecido a un marrón o a un gris oscuros, que se perdía con los lavados, pero era sufrido para mancharse de barro y suciedades varios.Nada que ver con la belleza profunda que exhibe en los retratos de corte que conocemos.

Los nobles hasta el siglo XIV preferían los colores vivos, como azules, verdes o rojos, mientras que los negros se destinaron a la Iglesia, e incluso , a los funcionarios públicos. En las miniaturas del libro de Horas del Duque de Berry, se puede ver el colorido variado de ropajes en un banquete.

Pero , a partir del siglo XIV, las ordenanzas empezaron a limitar la ostentación en el vestir, sobre todo la importación de sustancias caras para teñir de vivos colores. Y algunos ojos se volvieron al sucio y feo negro.

Es en este momento cuando se produce una mejoría en el proceso de teñido que permitirá obtener negros profundos y ricos. La adición de la nuez de agalla.Y un soporte adecuado para aplicarlo: el exquisito terciopelo, que llega a Europa desde el siglo XIII.


Las agallas sobre la rama del roble o rebollo.

La agalla es una mezcla de sustancia animal y vegetal, que se recolecta en el Mediterráneo, y provenía de Grecia y Oriente a fines de la Edad Media. Se trata del cascarón que rodea la larva de un insecto que pone sus huevos en las ramas de los robles. Es tal su riqueza en taninos y hierro que ha sido utilizada desde antiguo para hacer tinta, y muchos manuscritos antiguos han llegado hasta nosotros gracias a estar escritos con tinta de agalla.

Esta potencia en taninos es la que preparaba la tela para ser teñida y que se impregnara de los matices del negro. Y fue tal el éxito que vestir de negro se convirtió en símbolo de riqueza y de pertenencia a una clase superior.


Unos pioneros en la moda, el matrimonio Portinari, siglo XV


María Portinari debía encontrar favorecedor el contraste del negro con la palidez de su piel, ya que decidió repetir en el "Tríptico Portinari", vestida de este color, lo mismo que su hija, Magdalena


En el siglo XV abundan los retratos de nobles y reyes en terciopelos desnudos, apenas decorados con joyas, porque la riqueza del atuendo estaba en el tejido. Importar las agallas era caro y las telas también. Pero su éxito está escrito cuando se cambia del color del luto, del blanco al negro. En Castilla es en el reinado de Isabel la Católica, entre los siglos XV y XVI , cuando se adopta este convencionalismo.

Isabel I de Castilla.

Todos los retratos que se conservan de la reina de adulta la muestran vestida de negro. Es verdad que tuvo motivos para no quitarse el luto: hermano, madre, hijos e incluso nietos.

Y pronto se convierte en el color de la corte, cuando se instala el ceremonial borgoñón, primero con Felipe I y luego con su hijo Carlos.

Pero además de estar asociado con la riqueza, la religión se apodera con fuerza de él, recuperando su exlusividad medieval. Católicos y protestantes hacen del negro su bandera. Unos hablan de sobriedad, sencillez, austeridad, que les permite escapar a las vanidades del mundo.



Lutero, Calvino, recuperan el negro monacal de la edad media. el negro que los aisla de la pompa y del pecado.

Sin embargo los católicos no se quedan atrás y ornan de negro sus manifestaciones religiosas, sus cortes, sus tocados y vestidos.

Aislada en la corte sin mar de Madrid, los austrias menores ven decaer su imperio mientras continúan con sus trajes pasados de moda. Bellos , en su sencillez, pero tan distintos a la corte francesa que resultan pobres y desfasados.


Ahora , los retratos de Velázquez resultan intemporales, pero en su momento las ropas de Felipe IV tuvieron que provocar cierta conmiseración cuando se encontró con Luis XIV en la isla de los faisanes.

Como un pariente pobre venido del pueblo a la capital. Sin embargo , al correr del tiempo, es Luis el que resulta ridículo en su supuesta grandeza y Felipe quien mantiene su dignidad. Será que el negro nunca pasa de moda.