Roy Lichtenstein es conocido por sus famosas imágenes ampliadas de viñetas de comic, que interpretaba con tramas de puntos de gran tamaño. Esta forma de trabajar lo situaba cercano a las máquinas offset, para cartelismo .
Hoy en día podemos ver este sistema, cuando miramos de cerca un cartel del metro. Está formado por puntos de cuatro colores: cian,magenta , amarillo y negro. De lejos, sin embargo, las imágenes funcionan con colores secundarios y hasta terciarios. Un ejemplo.
Los artistas precoces de 3º de E.S.O. se han puesto manos a la obra para interpretar una imagen con puntos , de papel de colores. Los obtenían a partir del taladro de páginas, con folios o cartulinas de los colores necesarios.
Luego tenían que pegarlos más o menos separados para crear los diferentes tonos.
Como se puede ver, no sólo han aplicado el pop en la superficie , sino en el espíritu. Si Warhol tomaba iconos de la cultura popular como las sopas Campbell, unos 50 años más tarde los iconos son Bob Esponja o Mickey.
Una mezcla explosiva: La Marilyn de Warhol interpretada por Liechtenstein. La esencia del pop.
Siempre hay alguien que prefiere no copiar y prefiere interpretar su propio modelo.
Os podéis imaginar lo contenta que me quedo después de que se hayan esforzado tanto.Enhorabuena a todos , especialmente por lo bien que habéis colaborado.
Esta es la primera tanda, colgaremos nuevos trabajos según los entreguéis. ....Ay esas fechas de entrega.
Residir en el número aúreo es posible. Recordemos que este número, llamado PHI, tiene un valor de 1,618... y una cantidad infinita e irracional de decimales, y que es el que más conexiones tiene con los patrones naturales, como veíamos en este mismo blog.
Os presento la "Casa Nautilus". Está en Naucalpán, México.
Es una construcción del arquitecto mexicano Javier Senosiain , del año 2007.
El Nautilus es una concha muy especial, ya que cada uno de los arcos de circunferencia que conforman sus espirales se relaciona con el anterior mediante proporciones aúreas. Así que esta casa cumple en cada una de sus circunvalaciones esta proporción.
El arquitecto ha dispuesto una entrada sala de estar, donde se solapan los conceptos de interior-exterior, ya que el jardín está dentro del salón. La iluminación es natural con unos paneles de vidrio coloreado que contribuyen a conformar una atmósfera de juego, un tanto pop-futurista.
Al parecer la forma de espiral vino determinada por el terreno, pero la construcción superior fue inspiración tardía. En toda la casa no hay una sola recta.
Arriba, salón comedor, en las fotos de abajo, el baño.
Senosiain construye sus obras con ferrocemento, lo que le permite que la propia estructura sean las paredes y soporten el peso, sin vigas tradicionales.El acabado rústico artesanal que adquiere no requiere embellecimientos. Además es a prueba de terremotos.
La obra de este arquitecto se inspira en el modernismo. Más de cien años antes, Gaudí ya había utilizado el acabado con fragmentos de cerámica, de efecto ondulante y tapizado para sus dragones del parque Güell, o las paredes con reflejos azulados, a la manera de una piel de reptil o de pez, de la Casa Batlló.
Los adelantos en la industria siderúrgica hicieron posible la liberación del espacio de estructuras rectilíneas, ya que no eran los muros los que sostienen la trama , sino las vigas, que estratégicamente situadas, permiten articular el espacio con total libertad, e incluso ondularlo. Sobre esto es muy recomendable este post de Vicente.
Mirad si no encontráis parecidos con el artista modernista Hunderwasser, que también aplica con libertad los colores con desenfado. Los muros rompen con el racionalismo para imitar las formas orgánicas, maleables, vivas, en definitiva.
La arquitectura modernista , salvo excepciones , se situaba en la ciudad, donde constituía un hito llamativo por la diferencia con su entorno.En este siglo XXI, se hereda la forma, pero ya no se pretende destacar.Por el contrario, las figuras se funden con el entorno, son respetuosas con el medio ambiente, buscan el impacto mínimo. Es la filosofía del tiempo que vivimos: Somos naturaleza , nuestras obras no deben salirse de ella.
Esta lección la aprovecha Javier Senosiain para construir espacios que tienen nombre de ser vivo: el tiburón, la serpiente, el hongo, la flor. etc. Podéis verlas en su web
Como veíamos el otro día en clase de imagen, el principio de la fotografía está basado en dos hechos: la sensibilidad de ciertos materiales a la luz y el mecanismo de la cámara oscura.
Se desconoce cuando se pudo descubrir el mecanismo de la cámara oscura, algunos lo remontan a Aristóteles. Pero sí se sabe que en el siglo XVILeonardo o Durero conocían cómo aplicarla. Como sabemos, se trata de un espacio cerrado, sin iluminar, que podía ser una habitación o una caja, y a la que se permite entrar la luz por una pequeña abertura. El fenómeno que sucedía, y que maravillaba a los pintores, era que aparecía , en la pared de frente a la entrada de la luz, la imagen invertida de lo que había delante. Esto permitía calcar los contornos con una gran exactitud.
El desarrollo de las leyes de la óptica permitió que las cámaras oscuras , convertidas en cajas, tuvieran una lente ajustada que permitiera enfocar con mayor nitidez la imagen. Se sospecha que su uso pudiera estar detrás de los maravillosos retratos de Vermeer. En la película“La joven de la perla”, se materializa esta sospecha. Podéis ver cómo se sorprende la criada ante la imagen de la cámara oscura.
Lo siento pero el video no permite insertarlo aquí, os dejo el enlace.
No obstante, las imágenes podían copiar, pero luego se desvanecían, no era posible retenerlas.Hasta el siglo XIX.
El descubrimiento de que algunas sustancias, entre ellas las sales de plata , se oscurecían con la luz dio origen a diversos experimentos que lograban crear imágenes , pero no conseguían fijarlas, ya que se seguían oscureciendo al contacto con la luz.
Un dibujante mediocre, pero gran inventor, Nicèphore Niepce,
encontró la solución a este problema. Primero empapó una solución de ácido nítrico para fijar una placa empapada en cloruro de plata. Las llamó heliografías , o sea, dibujos del sol.
En 1826 Niépce obtiene la primera fotografía, desde la ventana de su casa, con esta cámara.
Expuso una placa con betún de judea, estaño y zinc , que blanqueaba al contacto con la luz, por lo que se formaba directamente el positivo. Niépce tuvo que exponer entre 10 y 8 horas la placa en la cámara, para poder obtener esto.
No parece gran cosa, pero es un pequeño gran paso para la humanidad. Años después , se sacó la misma foto, pero ya con una cámara más sofisticada. Este es el resultado.
Niépce comparte sus conocimientos con Daguerre. Por desgracia para él, Daguerre ha quedado como el gran inventor de la fotografía. La gran aportación de Daguerre es sustituir el betún por yoduro de plata, y convertirse en su difusor.
Daguerre, poniendo a prueba su propio invento.
Un modelo que no se mueve. Daguerrotipo de naturaleza muerta.
Pronto se reduce el tiempo de exposición a las placas , a unos cuarenta minutos. Cuando consigue perfeccionarlo, es el momento de aplicarlo a los retratos, que denomina daguerrotipos.Los primeros daguerrotipos aparecen los ojos del modelo borrosos, ya que el tiempo de exposición era muy largo y es inevitable parpadear. Por lo mismo era frecuente que estuvieran sentados.
Edgar Allan Poe, el daguerrotipo ha legado su imagen a la posteridad.
Pero el daguerrotipo no permitía más que una copia, y pronto fue sustituído por el calotipo, que inventa Fox Talbot en 1841.
Fox Talbot.
El calotipo es revolucionario, ya que permite poder sacar copias. La fotografía que salía de la cámara era el negativo, que con un tratamiento adecuado se positivaba. Además de esta ventaja estaba la reducción del tiempo. De media hora se pasa al medio minuto. Ese tiempo ya podemos estar sin parpadear, lo que mejora bastante la calidad del retrato
Uno de los primeros negativos , positivados, el Erecteion de la Acrópolis de Atenas, en 1848.
No obstante, la evolución sigue, y en 1855, gracias a una técnica llamada colodión , que aumentaba la sensibilidad de las películas, se reduce el tiempo tanto que podemos hablar de la fotografía instantánea.
De ahí a la cámara del móvil queda un largo camino por recorrer, que espero iros descubriendo poco a poco.
Cuando los directores de arte de una película buscan fuentes de inspiración para crear mundos pasados, tienen un catálogo muy completo en la historia del arte. Cine y pintura siempre se han complementado. Tenemos a cineastas como Rohmer, Pasolini, Minnelli. Pero hoy los ejemplos son mucho más populares y conocidos. Se trata de rastrear las influencias del arte en "El señor de los anillos"
Esta trilogía tuvo como uno de sus asesores artísticos a Alan Lee, dibujante e ilustrador especializado en el ciclo artúrico, las mitologías celtas e irlandesas, y Tolkien. Y los dibujos de Lee, más de diez años más antiguos ya están mostrando ese mismo espíritu.
Aparte de la influencia de la obra de Lee, la verdad es que en la película podemos rastrear desde arquitectura románica, renacimiento , barroco , y pintura del siglo XIX. Quizá el mayor cúmulo de coincidencias lo encontremos en la inspiración de la pintura prerrafaelita. Burne Jones, Rossetti, o Waterhouse están presentes en todo el espíritu de este mundo mítico. El propio Tolkien hace en su obra una mezcla de mitologías germánicas, artúricas, y celtas, así que es normal que Peter Jackson buceara en las fuentes de Tolkien.
La creación del palacio de Gondor, en Minas Tirith, de mármol blanco y arcos de medio punto, se basa en el campo de los Milagros, donde se encuentra la catedral de Pisa, románica.
Una ciudad mítica, Minas Tirith, se crea por ordenador recreando la Torre de Babel, de Brueghel, y el Monte Sant Michel, la isla monasterio (Monastir- Minastirith).
Las bucólicas campiñas de Constable, son el modelo de los bellos parajes de la comarca , donde viven los hobbit.
Aunque se supone que los modelos son medievales, lo cierto es que el la Edad Media revisitada por la visión del siglo XIX, idealizada y mítica.Los personajes se inspiran en estereotipos y situaciones que parecen escapadas de un cuadro prerrafaelita. La Dama de Shalott, de Waterhouse, frente a Galadriel, la dama del bosque.
En las relaciones amorosas , se percibe la herencia de la poesía caballeresca, pasada por el filtro idealizante del siglo XIX. La Dama despide al caballero que va a la guerra.En la película, ella también va, estamos en el siglo XXI , pero el cabello y la ropa es el mismo.
Este cuadro del paisajista americano Thomas Cole, muestra un paisaje sospechosamente parecido a la entrada del monte del Destino, donde Frodo y Sam arrojan el anillo. Casi doscientos años antes.
No sólo se inspiran en las formas, los colores son también importantes, y las actitudes melancólicas, que copian los actores.Arwen emprende el viaje, con envuelta en una capa gris símbolo de la melancolía, pero la manera de cubrirse y los colores nos recuerdan a las figuras de Waterhouse.
O esta actitud contemplativa desde las alturas frente al paisaje , uno de los motivos clave del arte romántico. Los prerrafaelitas la adaptan a una evocación sentimental , es un motivo recurrente la mujer cuyos cabellos son batidos por el viento , que contempla pensativa un espacio infinito. Waterhouse se imagina así a la Miranda de la Tempestad de Shakespeare. La siguiente, Eowyn busca en el horizonte una esperanza para su pueblo.
y para terminar, una partida. El barco que se pierde en un horizonte bañado por la puesta de sol - doble metáfora: muerte-partida-ocaso-. El cuadro es del siglo XVII, el pintor barroco francés Claudio de Lorena. En la película, los elfos parten a los puertos grises, y sin que se exprese, es una desaparición definitiva semejante a la muerte
Como conclusión , podemos decir que la creación de un mundo nuevo tiene poco de original y sí bastante de labor de documentación. Y que lo que nos parece antiguo y pasado de moda se convierte en atracción novedosa cuando se le cambia el envoltorio. Que si queréis innovar...id a un museo.
Este trabajo se puede presentar como un collage..pero es mucho más. ¿Puede un catálogo de muebles convertirse en un bosque? Si el papel donde está impreso nació de un árbol, ahora recupera algo de su origen al ser el tronco , por ejemplo , de una palmera. En estas imágenes veréis las cómo han ejercitado el "aprender a mirar ".Cada uno de estos fantásticos paisajes cumple esta premisa.
Ana A.
Un creativo mercadillo tropical, con puestos coloristas. Atención a la ensalada de la cabeza que imita a un pañuelo, rematada por un moño de dos limones.
Enrique ha aprovechado un cielo estrellado, para situar una isla volcánica, con distintos azules para las olas.
Candela B. Candela, felicidades por esos árboles hechos con telas, y ese césped de mosaico. La mariposa son zapatillas.
César P. Las montañas son suelos rocosos, y el caracol, una cuerda de camuflaje.
Raúl Buscar la fuente de inspiración en Picasso es arriesgado. Muy bien los tonos y el acabado. Buen trabajo.
Ana S. Creo que ese árbol está hecho de legumbres, y el tronco del árbol es un parqué.
Christian L.
Una ciudad de cuento, como Nueva York con tejados puntiagudos. Son estampados de telas.
