En recuerdo de todos los buenos ratos que ha hecho pasar a un montón de seguidores imperfectos.
jueves, 30 de septiembre de 2010
EL ADIOS DE UN TIPO CASI PERFECTO
En recuerdo de todos los buenos ratos que ha hecho pasar a un montón de seguidores imperfectos.
martes, 28 de septiembre de 2010
LAS MIL Y UNA CARAS DE LA LINEA
Para empezar, lo que más resalta en cualquier dibujo es el contorno, es decir la línea que configura la forma exterior de un dibujo.
Abstraerse de las líneas interiores para sintetizar la forma externa es un ejercicio que requiere habilidades que hay que practicar. Las líneas interiores, que definen cómo está hecha la forma resultan muy útiles para dibujar. Son el dintorno. El dintorno completa al contorno y permite establecer relaciones entre las formas exteriores y las interiores.
Un maestro de la linea, Retrato de Gustav Klimt.
Bajo esta aparente simplicidad, se encuentra una enorme paleta de soluciones para un buen dibujo a línea.
Si se opta por la línea limpia, o pura, primero debe existir un encajado suave, que permita insertar esta línea para acabar los contornos con mayor seguridad. Esta línea no es continua, sino que se interrumpe, afilándose cuando es necesario para indicar un cambio en el grosor o la importancia de lo dibujado.
Debajo, Egon Schiele, representante de la vanguardia de principios del XX en Viena, desarticula la figura humana, dotándola de una expresividad atormentada, que no sólo por la postura, sino que el tratamiento de una linea segura pero vibrante contribuye a esta misma fuerza.
A Klimt le interesa resaltar la cara y el brazo que expresan la melancolía de la mujer, por lo que las termina de forma resaltada , mientras que aboceta el resto.
Una variedad de línea pura es la sinuosa. Maestros en su uso son Matisse y Picasso.
El uso de la línea quebrada aumenta la facilidad expresiva. No define un contorno limpio, pero se utiliza muchas veces para dibujos de gran expresividad pictórica. Cambiando la presión se consiguen diferencias de grosor que hacen más interesante el dibujo. El peligro es creerse en el poder demiúrgico del trazo propio y enmascarar la falta de destreza en un supuesto deseo de manifestar la personalidad.
El aparente caos de Los dibujos de Giacometti se entiende cuando se observa que la forma surge por acumulación de lineas. En realidad de esa maraña surgen figuras de gran belleza .
La linea quebrada de este dibujo es una buena elección. Contribuye a retratar la agresividad del personaje.El sombreado demuestra un excelente dominio del dibujo. El autor es Jesús Alonso, dibujante de comics e ilustrador. Podéis ver su trabajo aquí.
Tradicionalmente se contraponen los conceptos de línea y de mancha, entendiendo que al segundo le corresponde las gradaciones de la luz y volumen. Pero con línea también se pueden conseguir. Normalmente los sombreados con línea son muy frecuentes en la historia de la pintura.
Autorretrato de Rembrandt. Sombreado clásico con lineas entrecruzadas.
domingo, 26 de septiembre de 2010
EL ESPACIO NEGATIVO
Es en oriente , especialmente en Japón, donde se desarrolló este concepto , dándole una importancia excepcional. La configuración de los intervalos, o de los "silencios" ,en la imagen , en este caso los espacios negativos, sustentaban una obra tanto como las figuras.
Veamos el caso paradigmático:
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La ola de Hokusai. Estudiada como modelo de perfecta síntesis, estructura y composición, todavía esconde secretos
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A partir de la llegada de imágenes de arte japonés, los pintores se atrevieron a prescindir de estos fondos para volver a los tonos planos, y a prestar atención conscientemente al espacio negativo.
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En el cuadro de Van Gogh, "la rama de almendro", se sintetiza la forma de componer el espacio de oriente, con la tradición volumétrica de occidente.
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La figura se abstrae de referencias reales para centrarse en formas, ángulos, distancias y espacios. Los mejores resultados de este ejercicio son los de estos cuatro chicos, pero me ha costado elegir.
miércoles, 22 de septiembre de 2010
VERDE, EL COLOR TARDÍO
El verde malaquita es un color intenso, muy estable a la luz cuando es puro y bastante cubriente. Pero también es caro. Los egipcios lo obtenían de sus yacimientos del Sinaí , y es verde malaquita el que cubre el cuerpo de Osiris y los párpados de los ojos de sus jeroglíficos y sus pinturas de jardines. El verde es un color sagrado para los egipcios , asociado a la inmortalidad.
El principal problema de la malaquita, aparte de su precio, es que no se puede mezclar con otros tonos porque se vuelve inestable. Cansados de estas dificultades, los romanos desecharon este pigmento a favor de las tierras verdes.
Las tierras verdes provienen de arcillas verdes, y se encuentran con facilidad en toda Europa, pero especialmente en la zona del Véneto, en Verona. Son fáciles de mezclar con otros tonos,lo que consigue mayor variedad de matices, pero respecto a la malaquita , resultan más apagadas.
El aislamiento y la pérdida del conocimiento que conllevaron los años medievales hizo sumergirse en un aparente olvido al verde malaquita. En la Edad Media se trabaja con las tierras . Y con un verde conocido como verdigris, que proviene de la oxidación del cobre al contacto con el alcohol de orujo. Es una receta muy antigua, que se utilizaba mucho en el ámbito monástico, y especialmente en Irlanda. Gran parte de sus manuscritos iluminados contienen este color.
También sirvió esta tierra verde para la base de las carnaciones en las pinturas al fresco. Bajo las figuras de Giotto, la sombra verde sobre la que se pintaba la piel, ayudaba a construir el volumen.
Alrededor del siglo XIV, reaparece, posiblemente a través del mundo árabe, un color que atrapa y fascina a los pintores. Mezclado con temple al huevo, decora las miniaturas del las "Muy ricas horas del Duque de Berry".
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Luego ,con óleo, la antigua malaquita recupera todo su esplendor en la pintura holandesa de fines de la Edad Media. Es , con el rojo y el azul ultramar , el color más brillante de sus composiciones.
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Y aquí un apunte. Como ya comenté en el post sobre el azul ultramar, ninguna de estas telas refleja vestidos reales. Hubiera sido prohibitivo. Para conseguir un verde, los tintoreros tenían que mezclar azul y amarillo, pero resulta que unos tintoreros se ocupaban de los tintes amarillos y otros ( en otra parte de la ciudad) de los azules. Cuando consiguieron juntarse para conseguirlo, tenían que echar tanto mordiente en el tinte para que se impregnara el tejido, que la tela se ajaba enseguida, y duraba muy poco.
Tan sólo los campesinos usaban alguna tela verde grisácea, teñida con pigmentos minerales, pero de tonos apagados, nada que ver con las mallas de Robin Hood.
El óleo es la técnica de las mezclas, por lo que se hacía necesario recuperar esta capacidad, los colores no pueden permanecer estancos, sino que se influyen unos a otros. Y los artistas volvieron a la tierra verde, que se empezó a llamar verde de Verona, o verde veronés.
Es cierto que procedía de Verona, pero también que es un color indisolublemente unido a Paolo Cagliari, il Veronese.
El verde Veronés es el verde del barroco, junto con el verde obtenido por mezcla de azul y amarillo. Y hasta el siglo XIX será el verde que represente a la naturaleza, obteniendo unos resultados muy artísticos , pero también muy artificiales.
Será el desarrollo de la industria química la que proporcione la más amplia gama de tonos verdes , estables, y baratos. Se fabrican para teñir telas de la floreciente industria textil inglesa, y de allí pasan al mundo de los colores para artistas. El verde esmeralda ilustra los jardines de Monet y de Renoir, y es imposible concebir a Matisse o a Kandinsky sin él.
Para nuestro ojo entrenado, del siglo XXI, esta profusión de verdes a nuestro alcance, hace mucho más difícil aproximarse al paisaje barroco, que carece de nuestros medios. Nunca podemos sustraernos a la sensación de extrañeza que nos producen los paisajes en marrones y rojizos, de Claudio de Lorena o Poussin. Pero al menos podemos intentar comprender el porqué.
sábado, 18 de septiembre de 2010
SAN GIORGIO MAGGIORE : PINTANDO A PALLADIO
Frente a la piazzetta de San Marcos, entre las dos columnas que son la marca de entrada en la ciudad de la Señoría, se puede contemplar la isla de San Giorgio. En ella, como un faro que de la bienvenida a Venecia, se yergue una iglesia diseñada por Palladio.
San Giorgio Maggiore es una obra de arte, cuyas características técnicas y estéticas podéis ver en el blog de Vicente. Una obra de arte que se ve resaltada por su escenario. Ni la más planificada de las ciudades puede igualar la perspectiva de este edificio.
Aquí la plaza es la laguna, el espejo teatral en el que se ve reflejada , desde puntos de vista cambiantes , no elegidos, fugaces. No podemos permanecer en ninguno mientras nos acercamos, porque vamos en barco. Esto la convierte en un juego de ilusiones barroco. Y tremendamente plástico.
El elenco de artistas que se han sentido atrapados por ella es muy largo. La tradición de la veduta en el siglo XVIII, desde Guardi o Canaletto, contemplaba como interés plasmar reproducciones de espacios monumentales o pintorescos.
De todos los escenarios pintados por los vedutistas, sólo San Giorgio ha continuado atrayendo a los grandes de todas las épocas.
Quizá Palladio no sabía que , al terminar la obra, empezaba la “otra” construcción de San Giorgio. Es una obra abierta. Percibirla sólo arquitectónicamente es prácticamente imposible si se está influido por la visión que han transmitido otros artistas. Tendemos a apreciar valores que podrían habernos pasado desapercibidos. Envuelto en bruma, a contraluz, bañado por la luz de la puesta de sol, cada artista lo ha interiorizado, y se ha pintado a sí mismo, como un autorretrato pictórico, en San Giorgio.
Canaletto y Venecia, es un binomio inseparable. Detallada arquitectura, efectos atmosféricos sin descuidar el pintoresquismo de las figuras humanas.No olvida situarla al sol, lo que llena de calidez el reflejo sobre el agua.
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Rushkin, el primer responsable del primer boom turístico de Venecia, realizó una gran cantidad de dibujos durante su visita, que publicó en "Las piedras de Venecia". El libro fue un best-seller que llevó a Venecia, entre otros, a Proust.
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