Parece que fue ayer cuando empezamos el curso y ya nos ha cundido un montón. Ahora, mientras nos sumergimos en el mundo del punto abstracto, es el momento de rescatar los primeros dibujos que habéis completado.
Me gustaría que quedara como muestra de cómo os enfrentáis a los primeros dibujos del natural, y que comparemos con los que seréis capaces de hacer al final. Bueno, esta es una pequeña muestra, como siempre.
Sergio , que se ha lucido sobre todo con la tela.
Maxi, que se nota que tiene experiencia, un toque muy profesional.
Miriam, que lo ha dejado inacabado, pero la imagen desprende una gran belleza.
Rubén, bien trabajados esos volúmenes.
Y el de Sara. Es una lástima que no se perciba bien la fuerza del rayado, muy personal.
Vamos a ver si seguimos por ahí, que todavía tenéis mucho que dar.
Lo mejor del libro de Thomas de Quincey es su título , por eso, que me perdone la SGAE, he decidido tomarlo prestado para este post.
Morir, y matar , son temas muy frecuentes en el arte, pero bajo la frecuencia de las representaciones, si se mira bien, se observa el peso del tabú. Encontramos la muerte violenta tras unos hechos concretos, repetidos: la guerra, la ejecución, y el suicidio . El asesinato no se representa, no es un hecho que merezca perpetuarse en la memoria, cualquier moral de cualquier tiempo lo admite como intrínsecamente malo. Y sin embargo, existe. Los artistas soslayan ese tabú, como el del desnudo,mediante el uso de motivos iconográficos que se asocian a la violencia y a la muerte y que se ha repetido a lo largo de los siglos.
David y Goliath de Caravaggio
Son figuras bíblicas e históricas: David y Goliath, el asesinato heroico, Caín y Abel , la traición, Judith y Holofernes, la ejecución.
Para soslayar la maldad de la violencia , se recurre a la justicia del hecho. Aún así, en general se eligen imágenes que sustraen a la mirada del espectador el momento álgido de la muerte , el de mayor violencia. Con una notable excepción.
Estos son dos de las imágenes más violentas del arte occidental:
Representan el asesinato de Holofernes por la heroína Judith, princesa de Bethulia. La historia se narra en el Antiguo Testamento. Judith logra seducir a Holofernes para poder librar a su pueblo del acoso del general. Cuando lo tiene a su merced, desnudo y en la cama, aprovecha para decapitarlo. El tema no es nuevo, pero sí lo es el tratamiento.
No se ahorra ninguna descripción visual . La sangre de Holofernes sale disparada cuando Judith está decapitándolo. Como es un hombre fuerte, Judith se ve ayudada por una criada. En el primero, empuña la espada con seguridad, consciente de su labor, toda ella tiene un aire de quien está imbuida de la ley , y de que cumple con dignidad un penoso deber.
El cuadro es de Michelangelo Merisi, Caravaggio. Destacamos la luz lateral, fuerte, que crea sombras muy contrastadas sobre los rostros de los personajes. La posición de Holofernes, tumbado y cabeza abajo, da idea de su vulnerabilidad. Por el contrario Judith se muestra en posición erguida, activa, lo que nos lleva a concentrar la mirada en la dirección que marca su espada. Se puede observar la curva de luz que forman los brazos de ambos contendientes, en paralelismo con la curva de la cortina. Si es cierto que a Caravaggio le inspiraban mucho los tonos cálidos, en este cuadro refuerzan el mensaje violento esos rojos, amarillos y naranjas.
El otro, fue pintado por una mujer, Artemisia Gentileschi, seguidora de Caravaggio. De este cuadro existen dos versiones. Difieren sobre todo en el colorido, la primera presenta unos tonos azules en la ropa y menos espacio alrededor de las figuras.
Los tonos cálidos y el espacio más amplio hace mucho más madura la segunda, pintada veinte años más tarde.
Si observamos la mirada y el gesto de la mujer, no hay nada de heroico en él. La Judith de Artemisia es una mujer que lucha con toda su voluntad para acometer un acto físico que requiere fuerza, cortar la cabeza a un hombre, y no cualquier hombre, sino un soldado. Incluso el gesto es de torsión y desagrado. La criada ayuda activamente, no se limita a contemplar. Y el hombre lucha , somos conscientes de su agonía. La luz lateral es la del maestro, pero la composición es más rica y el cuadro más interesante. Este cuadro es la escenificación de una venganza. Por ello es brutal incluso frente al de Caravaggio.
Artemisia se personificó en Judith para expurgar sus demonios. Había sido violada por su maestro, un tal Tassi. El proceso está documentado, porque su padre lo denunció cuando se negó a casarse con ella. La crudeza del hecho aparece narrado por la propia Artemisia, y lo podéis consultar en la red. Apenas se consiguió ningún castigo para el malhechor, y la pobrecilla encima tuvo que casarse con otro para tapar la deshonra.
Esta pintura actúa como catarsis, en la que no ahorra crudeza ni dulcifica los hechos. Se dice que la cara de Tassi es la de Holofernes, y Judith tiene los rasgos de la artista.
Algunos escépticos llaman a esta lectura la proyección psicoanalítica, ya que se proyecta sobre el cuadro lo que se sabe de la vida del artista para entenderlo. Está claro que , según ellos, para componerlo Artemisia se basó sobre todo en las teorías estéticas de su tiempo, en cuanto a linea, color, composición y elementos gráfico-plásticos. La vida de un pintor no tiene nada que ver con lo que pinta, ya que deja su yo fuera del estudio para sumergirse en un mundo aséptico y puramente conceptual que es el arte. La ferocidad de la cara de Judith es un ejercicio de estudio , y la elección del tema una página de la Biblia abierta al azar. Me imagino que se nota que me permito dudarlo.
Salomé vista por Caravaggio
La otra mujer asesina de la historia de la pintura es Salomé. Pero Salomé sólo es la inspiradora del hecho, la ejecución de Juan el Bautista que le solicita al que puede dar la orden : Herodes. Por ello Salomé aparece representada ya con la cabeza decapitada, es morboso, pero mucho menos sangriento.
La bella Salomé de Sebastiano del Piombo aparece distanciada de su víctima.
El Barroco católico , por otra parte, está poblado de m ártires y santos que pretendían mover a la piedad a los fieles. Esta carnicería como tema obtiene obras de arte muy estimables, algunas fascinantes, pero todas ellas para ser leídas en clave moral: la maldad de los verdugos y la santidad de las víctimas. Una de ellas se convirtió en el asesinato más representado de toda la historia del arte. Este:
Pero debido a que se trataba de una muerte lenta, agónica, de responsabilidad colectiva y anónima se escogió para representarlo toda una gama de momentos a lo largo del tiempo.
Tras este exceso, el asesinato volvió a caer en el limbo de los temas que se debían sugerir, pero no mostrar.
De esta manera, David nos escatima la puñalada a Marat; y las heroicas ejecuciones se quedan en el trágico momento previo.
El fusilamiento de Torrijos de Gisbert.
La blandura de Delaroche : Ejecución de Lady Jane Grey
Sólo Goya soslaya la prohibición tácita y nos muestra ese tremendo catálogo de atrocidades que son los desastres de la guerra. Volvemos al sufrimiento del hombre ante la violencia humana, pero, aunque nos conmueve, podríamos decir que Goya lo muestra con una mentalidad crítica, pero objetiva.
En lenguaje de hoy, no es nada personal. Todo lo contrario se desprende del cuadro de Artemisia, hay algo personal entre Judith y Holofernes, no existe la distancia objetiva,no hay heroismo, sólo la justicia del Antiguo Testamento: la ley del Talión.
La línea es el primer elemento del dibujo. Dibujar es ordenar, construirun espacio cuya estructurasustentan líneas.Elegir cúales y cómo trazarlas es lo que trabajaremos en este aprendizaje de Dibujo Artístico de Bachillerato.
Para empezar, lo que más resalta en cualquier dibujo es el contorno, es decir la línea que configura la forma exterior de un dibujo.
Abstraerse de las líneas interiores para sintetizar la forma externa es un ejercicio que requiere habilidades que hay que practicar. Las líneas interiores, que definen cómo está hecha la forma resultan muy útiles para dibujar. Son el dintorno. El dintorno completa al contorno y permite establecer relaciones entre las formas exteriores y las interiores.
Un maestro de la linea, Retrato de Gustav Klimt.
Bajo esta aparente simplicidad, se encuentra una enorme paleta de soluciones para un buen dibujo a línea.
Si se opta por la línea limpia, o pura, primero debe existir un encajado suave, que permita insertar esta línea para acabar los contornos con mayor seguridad. Esta línea no es continua, sino que se interrumpe, afilándose cuando es necesario para indicar un cambio en el grosor o la importancia de lo dibujado.
En esta manga dibujada por Leonardo la linea se estrecha o ensancha en funciòn del grosor de los volúmenes que representa.
La línea pura directa requiere una gran práctica, como podemos ver en estos dibujos de grandes maestros
Un siglo separa estas dos formas de entender el dibujo. El de arriba es el de un maestro de principios del XIX, Ingres, adalid del clasicismo. Ha trabajado con una cuadrícula el retrato y cuando está seguro, lo remarca con una linea de gran limpieza y seguridad.
Debajo, Egon Schiele, representante de la vanguardia de principios del XX en Viena, desarticula la figura humana, dotándola de una expresividad atormentada, que no sólo por la postura, sino que el tratamiento de una linea segura pero vibrante contribuye a esta misma fuerza.
A Klimt le interesa resaltar la cara y el brazo que expresan la melancolía de la mujer, por lo que las termina de forma resaltada , mientras que aboceta el resto.
Modigliani alterna la linea de un sólo trazo, limpia , que sigue visible en el brazo y la pierna. El resalte del fondo potencia la separación fondo-figura.
Una variedad de línea pura es la sinuosa. Maestros en su uso son Matisse y Picasso.
Estas lineas combinan la sinuosidad del trazo con la discontinuidad. En el dibujo siguiente, Toulouse Lautrec rompe conscientemente la continuidad del trazo para resaltar los cambios de dirección. La diferencia en la intensidad del trazo también contribuye a potenciar las lineas más importantes.
El uso de la línea quebrada aumenta la facilidad expresiva. No define un contorno limpio, pero se utiliza muchas veces para dibujos de gran expresividad pictórica. Cambiando la presión se consiguen diferencias de grosor que hacen más interesante el dibujo. El peligro es creerse en el poder demiúrgico del trazo propio y enmascarar la falta de destreza en un supuesto deseo de manifestar la personalidad.
El aparente caos de Los dibujos de Giacometti se entiende cuando se observa que la forma surge por acumulación de lineas. En realidad de esa maraña surgen figuras de gran belleza .
La linea quebrada de este dibujo es una buena elección. Contribuye a retratar la agresividad del personaje.El sombreado demuestra un excelente dominio del dibujo. El autor es Jesús Alonso, dibujante de comics e ilustrador. Podéis ver su trabajo aquí.
Tradicionalmente se contraponen los conceptos de línea y de mancha, entendiendo que al segundo le corresponde las gradaciones de la luz y volumen. Pero con línea también se pueden conseguir. Normalmente los sombreados con línea son muy frecuentes en la historia de la pintura.
Autorretrato de Rembrandt. Sombreado clásico con lineas entrecruzadas.
Del mismo autor , un apunte mucho menos acabado que muestra una clara linea de contorno quebrado y un sombreado más libre, con cruzados en direcciones variables.
En este retrato de Toulouse Lautrec la linea que configura el pelo es mucho más libre de lo que podía ser la rubeniana. El sombreado apenas sigue la estructura del cabello en el peinado, prima el efecto lumínico que contribuye a resaltar la cara. La linea apenas esbozada del traje contribuye a resaltar la parte más importante.
Cualquier linea puede ser utilizada con fines estéticos. En este caso todo un entramado de lineas que no parecen representar nada configuran un fondo que resalta la parte acabada.
Una opción que también es útil manejar es dibujar con lineas muy suaves, muy poco marcadas, de manera que forman un contorno grueso que se puede utilizar como base de un sombreado apenas insinuado. Sobre este trabajo, se marcan con mayor fuerza y carácter las lineas que configuran la parte más que más interesa resaltar del dibujo. Valga como ejemplo este retrato de sir Thomas Elliot, de Holbein.
Rubens muestra el mismo proceso en este dibujo de su hijo. Unas lineas muy suaves delimitan las formas y el contorno. Aprovechar el trazado de la linea para hacer el cabello es un recurso habitual, ya que los mechones guardan una gran similitud iconográfica con su resolución.
Cualquier dibujo puede llevar aparejados "arrepentimientos". Los brazos de esta mujer de Degas muestran tres o cuatro posiciones distintas. Sin embargo el pintor no descartó la imagen y siguió trabajando hasta configurar las lineas definitivas.
Rodin utiliza la linea sinuosa, es una de sus favoritas, pero en su caso la resalta , obsesionado por captar la articulación del movimiento, que plasmará en sus esculturas. Es la liberación del dibujo acabado, del efecto fresco del apunte, que ensalza la mano del artista, su gesto, por encima de un resultado muy acabado y cerrado.
Este curso 2010 me voy a dedicar al bachillerato artístico en Alcalá de Henares.No niego que me apetece mucho esta nueva aventura, pero todos estos años de rodaje de plástica en la ESO me han enseñado muchas cosas. Y he conocido a gente maravillosa, tanto alumnos como compañeros. Mucha suerte a todos y muchas gracias por todo.
El espacio negativo que titula este post es un descubrimiento antiguo, pero se utilizaba de forma intuitiva hasta el siglo XIX. Consiste en dibujar una o varias figuras prestando atención tanto a su contorno, como a los huecos que su trazado configura sobre el fondo.
Es en oriente , especialmente en Japón, donde se desarrolló este concepto , dándole una importancia excepcional. La configuración de los intervalos, o de los "silencios" ,en la imagen , en este caso los espacios negativos, sustentaban una obra tanto como las figuras. Veamos el caso paradigmático:
La ola de Hokusai. Estudiada como modelo de perfecta síntesis, estructura y composición, todavía esconde secretos¿Reconocéis una ola en el espacio que hay alrededor de la ola marina?.El espacio negativo es simétrico del positivo, a la manera de Escher. La composición del dibujo de estos bambúes prima de tal manera la estructura recortada sobre el fondo que funciona perfectamente en cualquiera de las cuatro posiciones.
Ya comentamos en otro post la importancia que tuvo la llegada de las estampas japonesas a occidente, y lo que influyó en muchos pintores: temas, composición, y dibujo.
La pintura occidental se había concentrado en representar el espacio, de manera que el fondo no se percibía como algo plano, sino como un juego ilusionista: perspectiva cónica y aérea. A partir de la llegada de imágenes de arte japonés, los pintores se atrevieron a prescindir de estos fondos para volver a los tonos planos, y a prestar atención conscientemente al espacio negativo.
En el cuadro de Van Gogh, "la rama de almendro", se sintetiza la forma de componer el espacio de oriente, con la tradición volumétrica de occidente.
Nuestro primer ejercicio ha sido un modelo en dos dimensiones. Esta fotografía de Mappelthorpe.
Se pretendía que , al tiempo que se trabajaba el contorno de la rama, aprendiéramos a fijarnos también en la referencia que supone el espacio en hueco. Normalmente, tendemos a olvidar su importancia. Lo que pretendemos representar llena toda nuestra atención, es la figura, lo demás es el fondo. Pero el fondo forma planos , que a menudo se asemejan a figuras geométricas. Y es muy sencillo copiar una figura geométrica, mucho más que una forma orgánica.
Parece que Razvan Dan lo ha entendido perfectamente. Y su dibujo funciona.
Trabajamos de la siguiente manera. El modelo se situaba cabeza , para fomentar la desarrollar y comprobar la visión espacial con el lado derecho del cerebro. La figura se abstrae de referencias reales para centrarse en formas, ángulos, distancias y espacios. Los mejores resultados de este ejercicio son los de estos cuatro chicos, pero me ha costado elegir.
Sergio Carreño
Rubén Delgado
y Paula del Prado, que ha resaltado con linea gruesa el contorno.
Espero que este sea el primero de muchos post dedicados a sus progresos y que no dejen de sorprendernos .
