N A D I E E S P E R F E C T O

CARTELES Y TIPOGRAFÍAS

2011-11-16T12:42:00.008+01:00

Hacía unos días que había asegurado que iba a subir al blog los trabajos de cultura audiovisual, y aquí están . Son dos grupos de trabajos. Primero estuvimos con las tipografías, intentando inventar una nueva letra y después con el cartel , que era para Halloween y se nos ha pasado un poco, pero han quedado muy bien.

Miriam ha hecho una letra muy robótica, en cuyo interior está la estructura de un juego de comecocos. Como siempre, es muy minuciosa en los acabados y la combinación de colores está muy bien elegida.

Sara ha optado por una linea más clásica, pero muy elegante y que se percibe muy bien.

Nuria ha otado por una letra "arañada", que le da un toque de originalidad a un diseño muy habitual.

David, por su parte m ha mezclado conceptos escultóricos con un toque de grafitti.

Y estos son los carteles . Se pedía que aplicaran reglas del rectángulo de tercios, buen contraste cromático , y que se adecuaran al tema , que era Halloween o Carnaval.

Aida ha hecho unas letras temáticas de lo más trabajadas. No falta ni un elemento: brujas, murciélagos, calabazas y , por supuesto , referencias a la muerte.

Mónica dibuja muy bien y en este cartel lo demuestra.
Una muerte plagada de referencias (tiempo, Guadaña) . Sin embargo respeta muy bien la composición y la percepción , con ese fondo negro que hace que se perciba en toda su potencia.

El de Miriam, más sencillo pero muy cuidado. no se ve muy bien en la foto, pero las letras están inspiradas en la superficie arrugada de las calabazas.

Lorena se ha decidido por el Carnaval. El conjunto está muy compensado gracias a su simplicidad. El diseño de la letra concuerda con el acabado del antifaz y resulta muy armónico.

Y el de Juan que creo que tiene una importante cultura cinematográfica. Las texturas están muy conseguidas y mezcla muy bien el dibujo a lápiz y el acabado recortado.

Mi enhorabuena a todos por el resultado.

TRAZADOS GEOMÉTRICOS

2011-10-24T13:36:00.004+02:00

Damos la bienvenida a los alumnos de tercero de este año, que se estrenan en este espacio. Hay una enorme cantidad de trabajos , porque este curso son cuatro terceros, pero como siempre, hay que seleccionar y los mejores con la escuadra y el cartabón , y con el diseño final han sido éstos:

En primer lugar , Manuel, con su acertada combinación de tonos y un degradado muy bien logrado. Promete este chico.

El de Daniel es de una gran perfección en el trazado . Ha acertado con los tonos suaves que permiten percibir la base geométrica.

El de Alejandro es arriesgado en la combinación de tonos , pero funcionabien. El toque diferente lo dan esos monigotes que parecen escapar del rombo.

El de Cristina está perfecto de realización. Muy difícil que la elección de tonos quede armoniosa, con esa combinación en complementarios, pero con los naranjas y verdes claros lo ha conseguido

Enhorabuena a todos por el trabajo realizado.

INSPIRACION ROCOCO

2011-10-17T12:00:00.007+02:00

Menuda cosecha de perfumes creativos llevamos.. hace unos días Shalimar de Guerlain y ahora sale la nueva campaña de Escada. Las dos son muy buenas y su mensaje está tan perfectamente medido y argumentado que se merecían un comentario.

En la campaña de Shalimar el objeto de deseo era una jovencita morbosamente seductora, que hundía sus raíces en la revolución modernista, ahora nos encontramos con un viaje en el tiempo muy diferente. Nos hemos trasladado a la Francia dieciochesca.Estamos en un cuadro rococó.

El arte que supone el canto de cisne del barroco es dulce, refinado, femenino , despreocupado y forzadamente natural. Es una época que nace estragada del exceso, de la extravagancia cortesana, y que busca recuperar valores como el retorno a la naturaleza. Un retorno que es , desgraciadamente , la naturaleza domesticada del ciudadano. A mí este espíritu me parece que tiene muchas cosas en común con nuestra época, llena de urbanitas que intentan retomar los valores sencillos, sin renunciar a sus comodidades. (casas rurales , campings de lujo).

Pero ¿seguro que este perfume tan moderno se apoya en valores tan antiguos? Dejadme que os lo muestre. Bar Refaeli toma la flor como Eva la fruta prohibida, pero no hay pecado ni tentación.

Es una rosa que hace juego con su vestido, identificando su belleza con la de la naturaleza. Es una pose calcada de otra forzadamente natural .

De este retrato de María Antonieta , realizado por Elisabeth Vigeé-Lebrun, en el que la reina aparece en un ambiente fuera de sus salones y con un atuendo más sencillo que el de los retratos de corte. Se estaban produciendo cambios en la mentalidad de la época, introducidos por los enciclopedistas, la Ilustración y la vuelta a la naturaleza que preconizaba Rousseau.

Influídos por estas ideas, la aristocracia empezó a valorar los placeres del campo, la vida sencilla, hastiados del barrroquismo extravagante de las fiestas de Versalles. Y la promotora del cambio fue precisamente la reina, que construyó su propia granjita en el parque del palacio:Le Hameau.
No dejaban de ser paraísos construídos , que basaban su mundo en conceptos tan artificiosos como la inocencia, la vuelta a la naturaleza y la felicidad.

La inocencia, representada por la modelo natural, sin apenas maquillaje y envuelta en rosa, color de la mujer niña. El mensaje queda reforzado por el concepto de juego, que aparece representado por el parterre a modo de atracción de parque . Esta imagen evoca un mundo infantil, y su comportamiento es igualmente lúdico en su mirada a la cámara.

La vuelta a la naturaleza, representada por el jardín, las flores , los pies descalzos, sin artificiosos zapatos. La unión del binomio Flor-mujer es un recurrente básico en la pintura , pero sobre todo una evocación del verso latino "Collige virgo , rosas.." que se recupera en el Renacimiento e invita a gozar del momento , porque todo se marchita.

Aprovechar la juventud para disfrutar es la idea subyacente bajo la inocencia del columpio de Fragonard . Hace falta ser un poco iniciado para encontrar en este anecdótico cuadro el punto erótico. Pero el hombre de la izquierda está viendo un poco más que las medias de la mujer, y el hombre de la derecha lleva atuendo clerical. Una estatua de cupido pide silencio para la aventurilla.
El guiño a la obra del Fragonard se presenta en los colores, verde para los fondos, rosa el vestido; en la postura, en alto, y en el gesto risueño.Hasta las rosas son las que tanto aparecen en los estampados florales de la época. Muy abiertas, repletas de pétalos, lejos de la sencillez que ahora mismo forma parte de nuestro gusto en flores.

Este estampado floral se inspira en los cuadros de Watteau.

Por último , el mensaje verbal del anuncio dice : Crea tu propio mundo de felicidad, en inglés y esencialmente felices en español. El mundo del rococó es artificial , pero, como hemos visto, pretende ser natural. Se concluye que la idea principal es que la felicidad es un estado que es posible construir artificialmente. Pero el uso del verbo crear es lo que lo hace tan rococó, a mi entender. Crear es sacar algo de la nada, e identifica nuestras creaciones ese mundo propio con conceptos no instrumentales, sino etéreos, puramente ideales... y por supuesto absolutamente inalcanzables. Ni el perfume nos dará la felicidad ni la naturaleza mantenía el jardín de María Antonieta, algo tendría que ver su jardinero.

EL SEÑOR DEL BIOMBO ATACA DE NUEVO

2011-10-15T14:24:00.004+02:00

Hace más o menos tres años me mandaron a trabajar a un destino desconocido y remoto , para una urbanita , Campo Real. Todo era nuevo : el instituto, el claustro, el paisaje y la sensación de salir de la ciudad para ir al campo, no de excursión, sino como meta diaria.

Supongo que en esos dos años, algo enseñé, pero aprendí mucho más. No todo puede alargarse eternamente, y algunos encuentros se han quedado en buenos recuerdos. Pero otros se han convertido en amistades permanentes. Una de ellas se llama Vicente Camarasa.

Permitidme que os presente a la persona que escribe en ese maravilloso blog llamado Sdelbiombo. Es un profesor adorado por sus alumnos, y un compañero generoso con sus conocimientos y su buen humor. Un viajero impenitente, un alma inquieta, y un trabajador incansable, que mantiene, como un malabarista, tres blogs ¡actualizados!

El blog Sdelbiombo es una referencia en el mundo del arte en español. Este curioso nombre se lo puso Vicente precisamente por su libro, que se reedita hoy: EL SEÑOR DEL BIOMBO

El Señor del Biombo es una aventura en el Siglo de Oro, que se lee como un cuento pero que tiene detrás mucho más: crítica social, arte, filosofía. Además, Vicente ha incluído este libro multitud de herramientas y enlaces multimedia para que sea además un instrumento de enseñanza. Seguro que abre un camino fascinante a la didáctica.

Esta es la contraportada del libro. En él se puede ver una sinopsis de una historia que , como he dicho, tiene dentro mucho más de lo que parece.

Para adquirir el libro , este es el enlace

http://www.bubok.es/libros/207397/El-Senor-del-Biombo

¡¡¡¡¡MUCHA SUERTE!!!!

REVIVAL MODERNISTA

2011-10-04T13:02:00.012+02:00

Este cartel lleva unos días por las calles de Madrid. Forma parte de una campaña publicitaria de un perfume caro, de gama alta, podríamos decir. Pero la estrategia de venta intenta ampliar su target tradicional -mujeres de edad adulta y alto poder adquisitivo- para tentar a las chicas más jóvenes.

El discurso denotativo nos muestra a una chica desnuda , en blanco y negro, sobre el que se superpone el frasco en color. El lema "parfum initial", cumple dos funciones:
En primer lugar, elevar la categoría del público receptor, que se siente escogido por poder entender las palabras del mensaje, que están escritas en otra lengua. Lo segundo es el significado polisémico de INITIAL. La iniciación al mundo, exótico, elegante, de los perfumes caros... y la evidente iniciación sexual de la jovencita que se presenta en el anuncio.

Hasta aquí, es exactamente la estrategia de los demás perfumes. Lo que lo diferencia, es que ha escogido la inspiración en el mundo del arte. De esta manera se eleva por encima del mercantil mundo de la publicidad para hacer un guiño al espectador más cultivado. La imagen se sostiene en un entramado muy complejo de referencias que vamos a intentar desentrañar aquí.

Para empezar el uso del blanco y negro le da un aire antiguo a la imagen que es pretendidamente buscado. Pero además facilita la percepción visual del color del perfume y el frasco, que, al ser un tono semejante a la piel , pasaría desapercibido sobre una foto en color.

Estas dos fotografías corresponden a la fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron, especializada en retratos de mujeres. Las poses sensuales y lánguidas, y las miradas directas a la cámara , en la segunda, resultan , cuando menos inquietantes. Por otra parte, el uso de la luz lateral contribuye a resaltar los rasgos con un toque amenazador. en la modelo de Shalimar, las sombras de las cejas resaltan unos ojos cuya mirada clara se confunde con los grises de la piel.

Precisamente esas miradas son uno de los grandes hallazgos de los pintores modernistas.

Agrandados hasta extremos hiperbólicos,los ojos de las mujeres de Klimt, Mucha o Khopff son fríos y algo sobrenaturales. Sirenas, nayades, nereidas son mujeres bellas pero temidas y a veces, odiadas.

Como ya comenté en otro post, esta evolución de la mujer bella seducible a la seductora vampírica tiene una raíz compleja relacionada con los cambios en la condición social de la mujer que se vive en el siglo XIX. pero además de los parecidos en el acabado y en la mirada , encontramos otra referencia al arte en la postura.
La manera en que la modelo se coloca , tapando su propio cuerpo , tiene sus raíces en el arte clásico . Según lo definía Kenneth Clark, en su obra "El desnudo", es una típica Venus púdica.
Es decir, un desnudo de mujer que evita mostrar sus partes más íntimas.

Estas dos Venus clásicas muestran el origen de esta iconografía. La primera, la Venus Capitolina, es el referente de todo un tipo recurrente en la historia del arte, del que quizá el ejemplo más conocido sea la Venus de Botticelli.

La segunda es la inspiración de un motivo religioso, la historia bíblica de Susana y los viejos, o la desnudez mostrada a la mirada pecaminosa del hombre.

Nuestra modelo de Shalimar se cubre, a la manera de Susana, pero , si bien su pose es semejante, su actitud es diferente. Ella sostiene la mirada del espectador, no tiene miedo ni parece haber sido sorprendida. Es la mirada modernista , no la barroca . Desafiante, segura y por supuesto más seductora de lo que sería mostrando directamente los secretos de su cuerpo.

Para entender mejor este cambio del gusto que supone el modernismo veamos un salto en tres fases. En la segunda mitad del seglo XIX convive esta evolución del gusto.

La gran odalisca de Ingres es una Venus púdica, pero, a pesar de la belleza de su desnudo, la mirada se nos presenta tan inocente que no causa la menor inquietud.

La Olympia de Manet conserva una parte de la pose original , con una mano cubre el sexo. Pero su mirada es tan descarada y directa que poco tiene de desnudo sorprendido. Este cambio causó , como es bien sabido, un gran escándalo.

Y para cerrar el siglo, la que menos muestra. Danáe de Klimt. Enroscada sobre sí misma muestra el cambio de mentalidad que se ha producido ya. De la inocencia a la autocomplacencia, Dánae no necesita de una mirada exterior para cumplir con la seducción. Sin duda la más cercana a nuestra sensibilidad de las tres.
La modelo de Shalimar bebe de Ingres una cierta inspiración de odalisca oriental, potenciado por el exótico nombre del perfume y el diseño del envase.Pero sus antecesoras son las mujeres del modernismo, que esconden su cuerpo no porque se avergüencen de él , sino porque saben que de esta forma aumentan su caudal de seducción.

ENVUELTOS EN NEGRO

2011-09-20T12:35:00.009+02:00

Aunque es de suponer que Felipe II no sabía nada sobre las leyes de la Gestalt, sus retratos juegan con la aplicación básica para resaltar su figura del fondo, el negro. El rey aparece más magnífico en su sencillez, vestido con terciopelo apenas adornado. Su pelo rubio y tez pálida contrastan con el oscuro de su vestido. Es una aparente sencillez, que esconde una costosa vanidad.Lleva el traje de corte español, heredado a su vez de la corte borgoñona.

Su tercera esposa, Isabel de Valois, añade joyas brillantes y claras sobre el profundo negro para armonizar con sus rasgos (rojo, blanco y negro), sin distracciones superfluas.

Pero esta sobriedad de los soberanos esconde una larga historia de búsqueda : la de la tintura negra. No es muy corriente encontrar en la Edad Media, a pesar de las películas, personas vestidas con ropajes negros. El negro era un color sucio, propio de clases inferiores.

Brueghel. "Los mendigos"

Para empezar, era un tinte inestable, más parecido a un marrón o a un gris oscuros, que se perdía con los lavados, pero era sufrido para mancharse de barro y suciedades varios.Nada que ver con la belleza profunda que exhibe en los retratos de corte que conocemos.

Los nobles hasta el siglo XIV preferían los colores vivos, como azules, verdes o rojos, mientras que los negros se destinaron a la Iglesia, e incluso , a los funcionarios públicos. En las miniaturas del libro de Horas del Duque de Berry, se puede ver el colorido variado de ropajes en un banquete.

Pero , a partir del siglo XIV, las ordenanzas empezaron a limitar la ostentación en el vestir, sobre todo la importación de sustancias caras para teñir de vivos colores. Y algunos ojos se volvieron al sucio y feo negro.

Es en este momento cuando se produce una mejoría en el proceso de teñido que permitirá obtener negros profundos y ricos. La adición de la nuez de agalla.Y un soporte adecuado para aplicarlo: el exquisito terciopelo, que llega a Europa desde el siglo XIII.

Las agallas sobre la rama del roble o rebollo.

La agalla es una mezcla de sustancia animal y vegetal, que se recolecta en el Mediterráneo, y provenía de Grecia y Oriente a fines de la Edad Media. Se trata del cascarón que rodea la larva de un insecto que pone sus huevos en las ramas de los robles. Es tal su riqueza en taninos y hierro que ha sido utilizada desde antiguo para hacer tinta, y muchos manuscritos antiguos han llegado hasta nosotros gracias a estar escritos con tinta de agalla.

Esta potencia en taninos es la que preparaba la tela para ser teñida y que se impregnara de los matices del negro. Y fue tal el éxito que vestir de negro se convirtió en símbolo de riqueza y de pertenencia a una clase superior.

Unos pioneros en la moda, el matrimonio Portinari, siglo XV

María Portinari debía encontrar favorecedor el contraste del negro con la palidez de su piel, ya que decidió repetir en el "Tríptico Portinari", vestida de este color, lo mismo que su hija, Magdalena

En el siglo XV abundan los retratos de nobles y reyes en terciopelos desnudos, apenas decorados con joyas, porque la riqueza del atuendo estaba en el tejido. Importar las agallas era caro y las telas también. Pero su éxito está escrito cuando se cambia del color del luto, del blanco al negro. En Castilla es en el reinado de Isabel la Católica, entre los siglos XV y XVI , cuando se adopta este convencionalismo.

Isabel I de Castilla.

Todos los retratos que se conservan de la reina de adulta la muestran vestida de negro. Es verdad que tuvo motivos para no quitarse el luto: hermano, madre, hijos e incluso nietos.

Y pronto se convierte en el color de la corte, cuando se instala el ceremonial borgoñón, primero con Felipe I y luego con su hijo Carlos.

Pero además de estar asociado con la riqueza, la religión se apodera con fuerza de él, recuperando su exlusividad medieval. Católicos y protestantes hacen del negro su bandera. Unos hablan de sobriedad, sencillez, austeridad, que les permite escapar a las vanidades del mundo.

Lutero, Calvino, recuperan el negro monacal de la edad media. el negro que los aisla de la pompa y del pecado.

Sin embargo los católicos no se quedan atrás y ornan de negro sus manifestaciones religiosas, sus cortes, sus tocados y vestidos.

Aislada en la corte sin mar de Madrid, los austrias menores ven decaer su imperio mientras continúan con sus trajes pasados de moda. Bellos , en su sencillez, pero tan distintos a la corte francesa que resultan pobres y desfasados.

Ahora , los retratos de Velázquez resultan intemporales, pero en su momento las ropas de Felipe IV tuvieron que provocar cierta conmiseración cuando se encontró con Luis XIV en la isla de los faisanes.

Como un pariente pobre venido del pueblo a la capital. Sin embargo , al correr del tiempo, es Luis el que resulta ridículo en su supuesta grandeza y Felipe quien mantiene su dignidad. Será que el negro nunca pasa de moda.

CARTELES PARA INTERPRETAR

2011-06-07T21:14:00.003+02:00

Para los alumnos de 1º de cultura audiovisual, estos son los carteles que tenéis que comentar. Recordad las pautas que vienen en el esquema, y que , cuánto más afinéis y más matices expongáis será mejor la nota. Mucho ánimo.

INTERPRETANDO EN COMPLEMENTARIOS

2011-05-19T20:08:00.006+02:00

Después de un trabajo al que han llegado casi con la lengua fuera, merece la pena que todos podáis disfrutar de estos resultados tan espectaculares.
Se trataba de realizar la interpretación cromática de un cuadro . Los más adecuados para este ejercicio son los impresionistas y las vanguardias. Como homenaje a las infinitas posibilidades de contraste de los complementarios, no está mal elegir algunas de sus obras. Estas son las mejores, por ahora, que creo que mañana caerá alguna más.

Esta escena de burdel, de Toulouse Lautrec ha sido el modelo de Alba, en rojo y verde.El contraste simultáneo máximo que dan la pareja de complementarios hace que el cuadro tenga una gran fuerza.

Rubén no lo ha tenido nada fácil para interpretar a Klimt. Pintar los cuerpos de las mujeres de tonos azules y el cabello de naranja creo que ha sido arriesgado, pero el trabajo es una maravilla.

Miriam también ha optado por Klimt. Ese amarillo frente al azul marino recuerda a los tonos dorados del original. Es una combinación muy potente ,visualmente efectista, casi fauvista.

El Picasso cubista es una elección segura. Aquí tenemos "los tres músicos", en amarillo-morado.En la foto no se aprecia bien la minuciosidad con la que están pintados todos los detalles, la variedad y la armonía de los tonos. Es de Raquel.

Natalia ha elegido a Van Gogh y su habitación de Arlés.Creo que el "loco del pelo rojo" habría aprobado su interpretación.

Maxi, que ha hecho un pequeño homenaje a Van Gogh , en su pareja de complementarios favorita. Junto los muros de esa iglesia , junto al Oise, se encuentra enterrado el pintor. Pero su mirada se ha perpetuado en estos trabajos.

Y por último , "la noche estrellada " de Ania, que dice que ha acabado harta de tanta pinceladita.Pero su van gogh es casi tan espectacular como el original.

Disfrutad mucho de estos días, casi tanto como yo, y gracias por el esfuerzo.

DESMONTANDO A DISNEY

2011-04-26T21:51:00.005+02:00

Hace unos días nos proponíamos desmenuzar los estereotipos, las ideas preconcebidas y los mensajes ocultos que aparecen en uno de los mayores creadores de roles de nuestra época: Disney. Empezamos con el análisis en clase de "El Rey León", una de las películas más interesantes en este sentido, ya que está llena de referencias religiosas, políticas, sociales, raciales. Bajo la apariencia de un cuento inocente, se implantan ideas que puede ser difícil erradicar. A partir de ahí, cada uno tuvo que elegir su película Disney y empezar a diseccionarla. Como es imposible poner trabajos completos, y casi todos tienen aportaciones interesantes, he hecho una pequeña selección de lo que podría llamarse , las píldoras envenenadas Disney.

La Sirenita

"...La protagonista, Ariel, aunque en un principio es presentada como una mujer independiente y fuerte que sus antecesoras, pasa a formar parte del canon de mujer hermosa y joven en cuanto conoce al príncipe para al final tener que ser salvada irremediablemente por él.. El principe es un hombre guiado por el afán de encontrar a una mujer hermosa con la que casarse sin importar el resto de sus cualidades.

El personaje femenino presenta una inestabilidad emocional, dependencia y falta de autoestima."

Miriam León

."...Ursula es mala , gorda y fea, la Sirenita es guapa y delgada, eso hace que los niños apliquen estos conceptos a la gente....Cuando ocurren cosas negativas hace mal tiempo, como si fuera el infierno..."

Natalia Fernández

"... Blancanieves está segura dentro del hogar, en el exterior se siente perdida, necesita figuras masculinas que la protejan. Los enanitos realizan todas las tareas fuera del hogar , ya que consideran afeminado el aseo y las tareas domésticas.

....La mujer debe quedarse en casa limpiando y cocinando, para hacer feliz a su hombre"

Marzena Teresa Sielska

"...Blancanieves presenta simbolismos en los colores: blanco es la nieve, la pureza, la dulzura, el Bien. Todo lo contrario que el negro de la madrastra. La manzana simboliza el fruto prohibido de la cultura judeocristiana."

Andrea Holguín

"...Gruñón pone a las mujeres como mandonas o que hacen las cosas mal, las mujeres sólo sirven para trabajar en la casa y los hombres en cosas de fuerza. Cuando Blancanieves huye el ambiente es oscuro y los animales de la noche, el día simboliza la claridad , el bien y la ausencia de peligros. "

Zaida Ramos

Sobre Bambi

"...La mujer viene representada por los animales hembra que se muestran sensibles, cariñosas, vulnerables y tienen que cuidar de las crías,. Los hombre son seres fríos , sin sentimientos, fuertes, protectores con hembras y crías. La división de roles por géneros viene deteminada por la época en que se grabó la película.. 1942 , en plena guerra mundial"

Sara Collado

Sobre Hércules

"...En la pelicula la mujer es la que se encarga del hogar y criar a los hijos, tanto en el caso de Hera como en el de Alcmena. Se puede ver que las mujeres sólo se preocupan por su aspecto, cuando Meg es atacada por el centauro se dedica a arreglarse el pelo.

...La mujer es manipuladora y un peligro para el hombre, cuando no una sentimental que se deja llevar por sus emociones cometiendo locuras y necesitando ser protegida por un hombre fuerte."

Mónica del Barrio.

Sobre "El jorobado de Notre Dame"

"...La película engrandece la figura de la catedral , a la que compara con Dios. Siempre que vemos planos de la ciudad, está iluminada, como si fuera celestial.. La iglesia es la única que acepta al jorobado, y al final cuando la niña se acerca a Quasimodo, recuerda a cuando Jesús dice: Dejad que los niños se acerquen a mí"

..En la atracción de Frollo por Esmeralda hay un cierto sadomasoquismo cuando dice : Me gustaría ponerte una cuerda en el cuello- con tono erótico."

Cristina Sarro

Sobre Cenicienta

"...Cuando las ratitas cosen el vestido de Cenicienta le dicen a un ratón que pretendía coser que eso se lo dejase a las mujeres, creando así la idea de que las mujeres deben hacer ese tipo de labores.

...Se nos crea una imagen de sumisión muy importante, ya que lo único que se puede hacer es soñar y esperar que se cumplan losueños. No debemos portarnos mal nunca, aunque lo hayan hecho con nosotros, la vida nos compensará. Y los malos serán castigados de alguna forma."

Ania Pedraza

Los Aristogatos"

"...presenta a los aristócratas como personas cultas , pero que a la hora de intentar solucionar un problema son incapaces sin obtener ayuda de personas que viven en los barrios bajos. ...Gato Jazz es un homenaje a Armstrong y Gato inglés a John Lennon"

Raquel González

Sobre La Dama y el Vagabundo.

"...En la película se puede apreciar un ejemplo de que en ese momento EEUU no se llevaba muy bien con oriente( Guerra de corea,1955), ya que los dos personajes mas crueles y malos les ponen rasgos orientales, los gatos Si y Am "

Lucía Lupiáñez

Sobre Peter Pan

"..El garfio del Capitán evoca la hoz, símbolo soviético. Todo esto se muestra de forma sutil y sugerente , y manipula pensamientos hacia Rusia y Alemania retratándolos como malvados"

Eduardo Bravo

"...Pocahontas es el estereotipo de la niña santa, niña de papá que nunca hace nada , sólo por ser la hija del jefe. (...)La mujer es vista como un ser inferior que siempre aparece trabajando."

Angelica Laura Negru

Sobre Aladdin

"...Los personajes buenos e inocentes tienen rasgos occidentales. Se acentúan los rasgos orientales en los personajes más agresivos. Para resaltar más el poder del genio las sombras son complentarias a su color.

El malo maltrata a la mujer pero ella no se de defiende esperando que venga otro hombre a defenderla. El color que predomina cuando reina Jafar es el rojo, que representa el infierno, el pecado."

Cristina López

"...En muchas películas Disney aparecen personajes bonachones con pocas luces, que siempre les manipulan, en este caso es el califa.

Jafar,de rasgos árabes , el antagonista. Se podría pensar que es por las difíciles relaciones entre EEUU y los paises árabes y las complicaciones con el petróleo.(Guerra del Golfo, 1991)

Ruben Delgado

Yo creo que sobran mis comentarios, ahora que si alguien quiere aportar algo más que haya visto por ahí, estaremos atentos.

Y SE HIZO LA LUZ

2011-03-12T17:46:00.003+01:00

Con estas palabras empieza uno de los relatos míticos más hermosos de la Biblia, la creación de la luz y las tinieblas. Y es el tema con el que los alumnos de 2º de técnicas se han enfrentado a una actitud nueva frente a la pintura: Ausencia de referentes figurativos y acción buscada del azar.

Estas mismas premisas fueron las que llevaron a Pollock a desarrollar el "Action Painting", y su expresión más conocida, el dripping. Así que nos hemos puesto a dar brochazos, y a dejar caer gotas de pintura para realizar composiciones que reflejaran ese momento, una doble creación.

Algunos se han divertido más, otros no ven nada claro esta forma de entender la pintura, pero creo que , al menos , habremos comprobado que no es nada fácil hacer una composición abstracta. Aquí están los resultados.

Elena G. nos ha sugerido el momento con una especie de lluvia de estrellas sobre un plácido universo.

Por su parte, Alin nos muestra una organización en espiral sobre la que despuntan varias galaxias.

Daniel ha preferido los tonos cálidos sobre un espacio que sugiere una erupción volcánica.

Patricia confronta dos potencias: tierra-sol, en un universo amarillo donde todo es posible.

Para Sofía parece que la luz se introduce como un estallido de luminosidad en medio del azul del cielo.

Y Beatriz parece que lo entiende como un conjunto de pequeños destellos que surgen de una estrella.

Por su parte , Elena B. diseña una diagonal que atraviesa su universo dejando una estela de luz.

Y por último, Susana. Su creación es como un vórtice en espiral que hace converger la mirada sobre ese misterioso centro.

Mi enhorabuena a todos, en general estos trabajos han estado muy bien.

PINTANDO RETRATOS

2011-03-11T15:40:00.003+01:00

Como parte de nuestro temario de dibujo, que comprende la anatomía, hemos estado estos días ocupados con el retrato del natural. Algunas de las reglas básicas de relaciones y de proporción ya nos resultan más familiares, y espero que ninguno me coloque un ojo egipcio a partir de ahora.

Bueno, estos son los seis mejores. Los han realizado copiando a sus propios compañeros , que han posado con bastante paciencia, con algunas excepciones. Se trata de un ejercicio de tres tonos o "trois crayons", con sanguina, sepia y carbón sobre papel de color. Vamos , como los maestros antiguos. Algunos es que ya van para clásicos.

Esta es Natalia, y la ha dibujado Irene.Esa expresión ensimismada no es invención , el gesto está muy bien captado.

El autor es Maxi, que es una esponja aprendiendo, y es su compañero Gabriel. Le encanta lo de sacar luces con la goma, y creo que ha conseguido muy buenos efectos.

Raquel dibujada por Razvan. Arriesga conel aire inacabado del fondo, que contrasta con el detalle del rostro y el pelo.

Aquí Kevin, retratado por Sara. La pobre acabó desesperada porque se movía mucho, lo cual tiene mucho mérito. El pelo es un prodigio de matices.

A Alba le ha salido tan bien el retrato de Sofía, que está deseando que se lo devuelva para regalárselo.Le costó , pero el perfil es calcadito.

Rubén ha pintado a Ania. Creo que le ha puesto una expresión que le hace más mayor, que ella es muy sonriente. Me gusta la soltura del pelo y la variedad de tonos que ha usado.

Y ya por último David, que ha retratado a su compañero Sergio. Además de parecerse mucho, ha conseguido muy bien la textura del peinado, con la diferencia de corte.

Sólo me queda recomendaros que estudiéis y practiquéis para el examen

EL VISIONARIO DEL BARROCO

2011-03-10T19:14:00.010+01:00

Para mi amigo JV

Entre las cuatro paredes de un taller, en la parte alta de una casa burguesa, un hombre no ha necesitado viajar a Italia , ni codearse con el gran mundo , para convertirse en un artista inigualable. Ya ha tenido sus años de vanidades, donde asistía a fiestas y malgastaba el dinero en ropas caras y manjares. Ahora , en sus años de vejez, una vejez en la que perderá todo, deja caer su mirada lúcida sobre los lienzos de su taller

Y extrae magia de ellos. Este hombre es Rembrandt van Rijn, hijo de un molinero, que creía que la pintura era un adorno en su brillante vida social y en realidad ha sido la razón de su existencia.

Entiendo a Rembrandt como uno de los primeros que la objetualiza, es decir, atiende a su materia con tanto interés como a su mensaje. Sí, es un gran contador de historias, de infinita imaginación, y un compositor maravilloso, capaz de situar en escena decenas de personajes sin que sobre ni falte ninguno.

Pero es que además, al final de su vida, no pinta, sino que faena, con el material que tiene entre sus manos. Los pigmentos que prepara en su taller se mezclan con cargas en polvo, para darles mayor consistencia, especialmente albayalde. Siempre ha sido aficionado a los juegos de luces, pero , en su madurez, sus fondos son siempre oscuros.

Allí aplica su pincel, primero , muy diluido, en forma de veladura, de manera que no añade, sino que desvela. Pero sus experimentos con el material no son de ahora. Es famoso el retrato de su juventud , en el que utiliza el mango del pincel para rascar sobre la pintura fresca.

Ahora,con la seguridad de un maestro, aplica la espátula, , con pinceladas espesas de óleo, cuyas vibraciones destacan sobre el negro del fondo proporcionando un brillo inigualable.

No hay temor alguno al efecto inacabado, él que en su juventud dibujaba con minuciosidad incluso la piel surcada de venas en las manos de "la profetisa Ana"

Ya en su madurez, en "Isaac y Rebeca", el trabajo de la espátula en la manga es un prodigio de pintura matérica. Es una textura sugerida que imita una tela rica , con hilos de oro, en linea con lo que se consideraba una vestimenta de un judío de su época. Rembrandt es un maestro de la ilusión pictórica, como Velázquez, pero lo que este último sugiere en pinceladas untuosas, el holandés lo trabaja casi como un relieve.

Raspados, superposiciones, rayados, son aliados de un pintor poco convencional. Y sus encargos se resintieron. Acostumbrado a gastar , Rembrandt compra una casa bastante cara, y llena su taller de caprichos traídos de las colonias holandesas en oriente. Las modas en su ciudad toman otro rumbo, y , cuando abandona su minuciosidad y suavidad en el trato pictórico, le abandonan.

A pesar de la ausencia de encargos importantes, el camino emprendido es imparable. No pinta para vender , sino para sentir la pintura.
Como muestra de lo que puede hacer un genio con un anodino modelo en escayola, me impresiona el retrato de Homero. Sacado de un busto que todavía se puede ver en su taller.

A gruesas pinceladas, con una sóla gama de tonos amarillo-dorados, Homero se ha convertido en un apóstol, que emana gracia divina.

Aunque sigue realizando motivos religiosos y retratos, Rembrandt ya tiene la mirada del puro pintor, que es capaz de mirar el mundo y convertirlo todo en una interpretación pictórica.Del poder de evocación, muy poderoso por lo que tiene de bello y brutal, nos habla el "Buey desollado", que autores como Bacon recuperarían años más tarde.

Una luz cálida envuelve lo que no es más que un pedazo de carne abierto en canal. Hay algo parecido en la forma en que las patas están atadas al palo y la tensión de una crucifixión , y seguro que el pintor se dio cuenta de ello. El acabado es de una belleza asombrosa, y un muestrario de técnicas de la pintura al óleo.

Finalmente, en el autorretrato menos indulgente de todos los que se han pintado, Rembrandt se construye con pinceladas doradas, toques gruesos y rascados . Esta pintura se ha interpretado como una evocación de Zeuxis, el pintor griego del que no se conserva ninguna obra, o de Demócrito, el filósofo. En ella la cabeza aparece ligeramente girada hacia el espectador, con una sonrisa incrédula e irónica, como si mirara hacia atrás y se riera de sus afanes, y de paso, de los nuestros.

Nada que ver con el que se considera último autorretrato, mucho más dulce, suave y complaciente, que nos muestra a un respetable caballero, adornado con toques de vanidad en las ricas telas. Tampoco la técnica tiene nada que ver, es mucho más arriesgada en el primero, lo que hace pensar que era más para su contemplación personal.

Estos dos retratos muestran la ambivalencia en que se movió siempre el personaje, queriendo ser un miebro respetado de la sociedad, y al mismo tiempo dejandose llevar por la evolución que le pedían sus propias intuiciones. Tan complejo como la época que le tocó vivir, el siglo del barroco, el de las contradicciones.

CARTELES DE CINE

2010-12-03T16:48:00.005+01:00

¡Por fin nos vamos de puente!! Hoy ya estábamos todos (yo la primera), deseando salir pitando . Pero para que se vea que hemos trabajado hasta el último momento, aquí están algunos de los mejores trabajos que hemos hecho esta semana en cultura audiovisual.
Se trataba de crear un cartel de cine para una película imaginaria, ayudándonos de la informática y de los recursos de internet.

Para empezar, La megafriki película de Kevin y Lucía (ampliar los créditos). Kevin es un maestro del photoshop, y digo maestro en todos los sentidos, porque nos ha aclarado dudas a todos. Gracias.

Cristina y Mónica, qué bien compuesto y qué profesional, dan ganas de ver la peli.

Me encanta el toque de los sesenta , de película quemada. Un guiño a la nostalgia, de Marzena y Daniel. Gran trabajo.

Raquel y Cristina no sabían cómo llamar a su película, pero yo creo que han acertado con esa mezcla entre Alicia en el país de las Maravillas y Final Fantasy. Muy bien ese reclamo publicitario, y la coordinación entre las dos imágenes tan dispares.

Me encanta este cartel porque es una boutade de Sara y Natalia. Demuestra que no hace falta sentir algo para recrearlo con verosimilitud. El cartel es de película romanticona, no falta detalle, pero nada más lejos de la forma de ser de las dos. Estoy segura de que se han reído mucho haciéndolo.

Rubén y Ania, son los autores.No hace falta que lo diga porque está en el cartel , utilizando de forma muy artística los filtros del photoshop.

Bueno, y ahora a descansar del duro trabajo, que a la vuelta tenemos el examen.

Por cierto, si alguien quiere contratarlos como diseñadores gráficos, que se ponga en contacto con el insti Antonio Machado. ¡Feliz puente!!

AGUADAS

2010-11-27T14:11:00.005+01:00

La verdad es que dentro de poco voy a tener que poner marcas de agua en los trabajos que subo, porque están aumentando tanto la calidad que se los van a bajar los cibernautas para presentarlos como propios. Esta semana hemos terminado el trabajo de aguada en dibujo artístico, y aunque al principio estaban un poco inseguros -es lo que tiene el pincel- creo que el resultado ha merecido la pena. Por si alguno de vosotros no lo sabe, sois la admiración del departamento de dibujo. Ahora , a por el carboncillo.

Sara , que va a tener dentro de poco una etiqueta propia, con todos los trabajos que le subo. Qué cantidad de matices, y sobre todo , hay que fijarse en la sombra del asa de la jarra, logradísima.

El mismo modelo, visto por la precisión de Sergio, en este caso destacamos un acabado más suave Muy bien esa tela , casi insinuada.

Y del mismo modelo, el último. Maxi tiene muy buena mano, y además una soltura en los acabados que valoro mucho.

Esta delicadeza de dibujo, puedo asegurarlo, está hecho con tinta. Me maravilla la cantidad de matices del gris y todo el aire de "aggiornamiento" que desprende. Es de Raquel.

A Razvan no hay técnica que se le resista. La foto no le hace justicia, de verdad que esa pera del primer plano tiene cuerpo, y la resolución de la tela muestra una economía de recursos de lo más práctica .

Y ya por hoy terminamos con Zaida. No era nada fácil resolver esas brochas en distintas inclinaciones, y creo que lo ha conseguido.

Felicidades.

COMICS

2010-11-19T17:45:00.009+01:00

Siento el retraso que llevo en subir trabajos, pero es que estoy un poco liada. Esta semana hemos terminado el comic y aquí está una pequeña selección de los trabajos de bachillerato.
Pongo sólo una página de cada uno, pero es suficiente para que os hagáis una idea de su talento. Y variedad de estilos.

Esta página es de Maxi. Una historia inspirada en el manga y los superhéroes. Muy libre el uso de la viñeta, con muchos recursos y un acabado cuidadísimo.

Un estilo muy diferente, muy estilizado y visual para una historia inquietante. Un aire muy cinematográfico. De Raquel, que a cada trabajo se supera.

Me gustan mucho los acabados de Sara. Es una historia de rockeros que escapan de una realidad un tanto familiar a todos nosotros. En la viñeta de abajo le viene la inspiración en un momento muy poco oportuno, en pleno examen.

Este comic está hecho con acuarela , y cuenta una historia de humor negro sobre un encuentro en Halloween. El autor es Rubén . Qué bien resuelta la última viñeta, con siluetas sobre las que destacan los espantapájaros.

Esta es la historia de Miriam. Un guiño malicioso a muchos cuentos que todos conocemos, con un final pleno de humor negro y de lo más sorprendente. De verdad magnífico.

Lo pongo entero porque creo que merece la pena leerlo. Si se clica encima se puede ampliar.

ESPACIOS ABSTRACTOS

2010-11-04T18:01:00.004+01:00

Pero mira que es fácil decir que las imágenes abstractas son "esos garabatos que hace un niño pequeño". Luego , cuando hay que hacerlas de verdad, y que funcionen, parece que echamos de menos la realidad, como si nos faltaran apoyos ante el papel en blanco y la pregunta :¿Y qué pongo ahí? no resulta fácil de responder con acierto.

Como , afortunadamente, nos quejamos mucho pero luego sacamos el trabajo adelante, ha habido propuestas de lo más variadas , algunas muy buenas. Hay que ver lo que tienen algunos bien escondidito en la cabeza.

Razvan , fantástico ese contraste entre formas geométricas y orgánicas.

Maxi, que juega con la inquietante percepción del vértigo al centro.

Raquel , menudo uso de las plantillas de curvas. Es muy difícil organizar ese caos sin que resulte confuso. Muy interesante.

Gabriel ha arriesgado con una composición muy op art.

Paula utiliza la seriación de una misma forma orgánica , variando la textura. Muy bien colocado, descentrado, ese centro de atención.

Y de momento hoy acabamos con Alba. Enorme variedad de texturas y rayados, y muy dinámica la composición.

Ahora estamos con el figurativo y no parece que vayan a desmerecer en absoluto. A ver si vamos asomando la cabeza por aquí todos un poquito.

GRAFFITI

2010-11-02T19:32:00.006+01:00

Dicen que si no puedes con el enemigo únete a él. Supongo que todos los profesores de plástica hemos experimentado la obsesión de nuestros alumnos con el graffiti, que rellenan en agendas, libros, e incluso portadas de trabajos. Así que , aprovechando ese entusiasmo tan poco frecuente, se ha convertido en parte de nuestro trabajo de cultura audiovisual

El proyecto de graffiti comprendía elegir un lugar adecuado, que potenciara el mensaje.

Como los juegos de percepción visual, de Raquel.

Sin olvidar el componente de denuncia o protesta social, como Bansky.
Daniel hace vomitar al monstruo los desechos por las tripas.

Pablo utiliza la paradoja del niño soldado sobre el tobogán.

A veces la protesta es puramente estética. Ante la fealdad de determinados elementos del paisaje urbano, se impone un poco de poesía.

Miriam hace que sus fotógrafos pintados descsubran una flor ¿real?

Otras veces hablamos de juego visual, como desnudar las paredes e imaginar lo que esconden, o lo que nos gustaría que escondiesen.

Cristina convierte el muro en una cremallera que una niña entreabre a un paisaje de fantasía.

Zaira hace que tras esa triste pared aparezca el sueño de Venecia para los que la miran.

Natalia plasma el interior imaginado de la fría arquitectura exterior.

Y Sara, que ha pintado en la pared del zoo una evasión en toda regla. Muy colorista , pero nos hace reflexionar.
Entre las imágenes que nos han servido de inspiración destacan las que contienen el blog "Escrito en la pared", que tenéis en la lista de blogs.

ARBOLES DE ARTISTA

2010-10-21T20:28:00.007+02:00

Hay algo especial siempre en la representación de un árbol. Están alrededor de nosotros desde siempre, pero no se convirtieron en motivo de un cuadro, en el elemento principal de un paisaje, hasta el romanticismo.

No es casualidad que Caspar David Friedrich los escogiera desnudos, de ramas podadas y desafiando a la nieve en paisajes desolados.

De alguna manera, el artista romántico ve en el árbol una proyección del ser humano. De todos los vegetales, el árbol se parece al hombre en su verticalidad. A veces es grueso y retorcido, como un viejo que ha luchado y vivido mucho. Otras , se yergue delgado y flexible, y frágil frente a los elementos.

Tras la mirada romántica, que encontramos en los maravillosos apuntes de Asher Durand, que s e pueden ver en la Fundación Juan March.

La explosión sensorial del impresionismo llenó de hojas y efectos de color y luz los árboles del impresionismo. Pero un espíritu hipersensible, como el de Van Gogh,volvió a despojarlos de su copa, fijando su atención en su madera nudosa, en la belleza de su desnudez.

Creo que hay que tener un poco de la sensibilidad atormentada del romántico para proyectarse en los troncos invernales. Van Gogh siempre proyectó su estado anímico en su obra: melancólica en los paisajes invernales holandeses, cuando trabajó como predicador entre campesinos que tenían condiciones de vida muy pobres, y explosiva y sensual entre los coloristas campos de Provenza.

La evolución del arte tras el impresionismo parece que evitaba retornar a caminos que proyectaran el alma del artista en la naturaleza. Los elementos formales : investigaciones con el color, con el espacio, con la forma, con los materiales, están empezando a ocupar la mente de los artistas.
Pero en la provinciana Viena las novedades van a llegar más tarde. Klimt hace su propia versión del impresionismo, con influencias del art nouveau.

Si comparamos el bosque de Klimt, decorativo y sensual , con los árboles de Schiele , de la misma época, se ve el germen de algo distinto.La delgadez extrema de los mismos, los tonos oscuros, exudan la misma sensibilidad ante la naturaleza que Friedrich.

Otra vez la atormentada alma del artista encuentra su fiel reflejo en los árboles, que pinta aislados, cada uno anclado a su terreno, sin comunicación, como sus figuras humanas, que se encogen sobre sí mismas.

Y la última sorpresa. Mondrian antes de ser el icono la abstracción geométrica en primarios. El árbol se convierte en una excusa para compartimentar el espacio, lo que es indicio de sus preocupaciones por llegar a lo esencial de la representación y la bidimensionalidad. Ese árbol es el germen de un movimiento, pero también un autorretrato de un artista en pleno proceso de evolución.

PRIMEROS PASOS CON EL CARTEL

2010-10-18T20:03:00.006+02:00

Como ejercicio de aproximación al cartel, del que vamos a realizar más de un ejemplo, nuestro primer motivo ha sido el anuncio del Carnaval. Sí, es verdad, nos hemos adelantado un poco, pero existen razones de peso: es muy colorista, admite gran cantidad de tipografía, y tiene muchas referencias iconográficas, que son populares: las máscaras, los antifaces, la música, el confeti. En fin, con estos mimbres, nos han salido estas composiciones. Algunas podrían inspirar el que elija este año el Ayuntamiento. Por si acaso , nosotros lo pensamos y lo hicimos antes.

Rubén le ha dado un aire de cartel del oeste. Un fondo conseguido a base de café, y con guiños a la época. Un inconveniente, muy pequeño el letrero del lugar.

Esa silueta a contraluz es Cervantes, y desde el campanario de la plaza , Lucía deja salir a los disfrazados . Ha costado conseguir un equilibrio de color, pero lo has logrado.

A Raquel también le ha costado encontrar el boceto definitivo, pero con esa apuesta por la gama cálida, y la curva envolvente has conseguido un resultado muy coherente.

Para los que no conozcan Alcalá, delante de la casa de Cervantes, Don Quijote y Sancho están sentados en un banco, con un hueco entre ellos , ideal para hacerse una foto. ¿Porqué no iban a disfrutar ellos del Carnaval? Ahí están con sus gorros de fiesta. Enhorabuena Sara, por el dibujo y por la idea.

TRABAJOS DE LÁPIZ

2010-10-07T20:31:00.002+02:00

Parece que fue ayer cuando empezamos el curso y ya nos ha cundido un montón. Ahora, mientras nos sumergimos en el mundo del punto abstracto, es el momento de rescatar los primeros dibujos que habéis completado.

Me gustaría que quedara como muestra de cómo os enfrentáis a los primeros dibujos del natural, y que comparemos con los que seréis capaces de hacer al final. Bueno, esta es una pequeña muestra, como siempre.

Sergio , que se ha lucido sobre todo con la tela.

Maxi, que se nota que tiene experiencia, un toque muy profesional.

Miriam, que lo ha dejado inacabado, pero la imagen desprende una gran belleza.

Rubén, bien trabajados esos volúmenes.

Y el de Sara. Es una lástima que no se perciba bien la fuerza del rayado, muy personal.

Vamos a ver si seguimos por ahí, que todavía tenéis mucho que dar.

DEL ASESINATO COMO UNA DE LAS BELLAS ARTES

2010-10-04T18:17:00.015+02:00

Lo mejor del libro de Thomas de Quincey es su título , por eso, que me perdone la SGAE, he decidido tomarlo prestado para este post.

Morir, y matar , son temas muy frecuentes en el arte, pero bajo la frecuencia de las representaciones, si se mira bien, se observa el peso del tabú. Encontramos la muerte violenta tras unos hechos concretos, repetidos: la guerra, la ejecución, y el suicidio .
El asesinato no se representa, no es un hecho que merezca perpetuarse en la memoria, cualquier moral de cualquier tiempo lo admite como intrínsecamente malo.
Y sin embargo, existe. Los artistas soslayan ese tabú, como el del desnudo,mediante el uso de motivos iconográficos que se asocian a la violencia y a la muerte y que se ha repetido a lo largo de los siglos.

David y Goliath de Caravaggio

Son figuras bíblicas e históricas: David y Goliath, el asesinato heroico, Caín y Abel , la traición, Judith y Holofernes, la ejecución.

Para soslayar la maldad de la violencia , se recurre a la justicia del hecho. Aún así, en general se eligen imágenes que sustraen a la mirada del espectador el momento álgido de la muerte , el de mayor violencia. Con una notable excepción.

Estos son dos de las imágenes más violentas del arte occidental:

Representan el asesinato de Holofernes por la heroína Judith, princesa de Bethulia. La historia se narra en el Antiguo Testamento. Judith logra seducir a Holofernes para poder librar a su pueblo del acoso del general. Cuando lo tiene a su merced, desnudo y en la cama, aprovecha para decapitarlo. El tema no es nuevo, pero sí lo es el tratamiento.

No se ahorra ninguna descripción visual . La sangre de Holofernes sale disparada cuando Judith está decapitándolo. Como es un hombre fuerte, Judith se ve ayudada por una criada.
En el primero, empuña la espada con seguridad, consciente de su labor, toda ella tiene un aire de quien está imbuida de la ley , y de que cumple con dignidad un penoso deber.

El cuadro es de Michelangelo Merisi, Caravaggio. Destacamos la luz lateral, fuerte, que crea sombras muy contrastadas sobre los rostros de los personajes. La posición de Holofernes, tumbado y cabeza abajo, da idea de su vulnerabilidad. Por el contrario Judith se muestra en posición erguida, activa, lo que nos lleva a concentrar la mirada en la dirección que marca su espada. Se puede observar la curva de luz que forman los brazos de ambos contendientes, en paralelismo con la curva de la cortina. Si es cierto que a Caravaggio le inspiraban mucho los tonos cálidos, en este cuadro refuerzan el mensaje violento esos rojos, amarillos y naranjas.

El otro, fue pintado por una mujer, Artemisia Gentileschi, seguidora de Caravaggio. De este cuadro existen dos versiones. Difieren sobre todo en el colorido, la primera presenta unos tonos azules en la ropa y menos espacio alrededor de las figuras.

Los tonos cálidos y el espacio más amplio hace mucho más madura la segunda, pintada veinte años más tarde.

Si observamos la mirada y el gesto de la mujer, no hay nada de heroico en él. La Judith de Artemisia es una mujer que lucha con toda su voluntad para acometer un acto físico que requiere fuerza, cortar la cabeza a un hombre, y no cualquier hombre, sino un soldado.
Incluso el gesto es de torsión y desagrado. La criada ayuda activamente, no se limita a contemplar. Y el hombre lucha , somos conscientes de su agonía.
La luz lateral es la del maestro, pero la composición es más rica y el cuadro más interesante. Este cuadro es la escenificación de una venganza. Por ello es brutal incluso frente al de Caravaggio.

Artemisia se personificó en Judith para expurgar sus demonios. Había sido violada por su maestro, un tal Tassi. El proceso está documentado, porque su padre lo denunció cuando se negó a casarse con ella. La crudeza del hecho aparece narrado por la propia Artemisia, y lo podéis consultar en la red. Apenas se consiguió ningún castigo para el malhechor, y la pobrecilla encima tuvo que casarse con otro para tapar la deshonra.

Esta pintura actúa como catarsis, en la que no ahorra crudeza ni dulcifica los hechos. Se dice que la cara de Tassi es la de Holofernes, y Judith tiene los rasgos de la artista.

Algunos escépticos llaman a esta lectura la proyección psicoanalítica, ya que se proyecta sobre el cuadro lo que se sabe de la vida del artista para entenderlo. Está claro que , según ellos, para componerlo Artemisia se basó sobre todo en las teorías estéticas de su tiempo, en cuanto a linea, color, composición y elementos gráfico-plásticos. La vida de un pintor no tiene nada que ver con lo que pinta, ya que deja su yo fuera del estudio para sumergirse en un mundo aséptico y puramente conceptual que es el arte. La ferocidad de la cara de Judith es un ejercicio de estudio , y la elección del tema una página de la Biblia abierta al azar.
Me imagino que se nota que me permito dudarlo.

Salomé vista por Caravaggio

La otra mujer asesina de la historia de la pintura es Salomé. Pero Salomé sólo es la inspiradora del hecho, la ejecución de Juan el Bautista que le solicita al que puede dar la orden : Herodes. Por ello Salomé aparece representada ya con la cabeza decapitada, es morboso, pero mucho menos sangriento.

La bella Salomé de Sebastiano del Piombo aparece distanciada de su víctima.

El Barroco católico , por otra parte, está poblado de m ártires y santos que pretendían mover a la piedad a los fieles. Esta carnicería como tema obtiene obras de arte muy estimables, algunas fascinantes, pero todas ellas para ser leídas en clave moral: la maldad de los verdugos y la santidad de las víctimas.
Una de ellas se convirtió en el asesinato más representado de toda la historia del arte. Este:

Pero debido a que se trataba de una muerte lenta, agónica, de responsabilidad colectiva y anónima se escogió para representarlo toda una gama de momentos a lo largo del tiempo.

Tras este exceso, el asesinato volvió a caer en el limbo de los temas que se debían sugerir, pero no mostrar.

De esta manera, David nos escatima la puñalada a Marat; y las heroicas ejecuciones se quedan en el trágico momento previo.

El fusilamiento de Torrijos de Gisbert.

La blandura de Delaroche : Ejecución de Lady Jane Grey

Sólo Goya soslaya la prohibición tácita y nos muestra ese tremendo catálogo de atrocidades que son los desastres de la guerra. Volvemos al sufrimiento del hombre ante la violencia humana, pero, aunque nos conmueve, podríamos decir que Goya lo muestra con una mentalidad crítica, pero objetiva.

En lenguaje de hoy, no es nada personal. Todo lo contrario se desprende del cuadro de Artemisia, hay algo personal entre Judith y Holofernes, no existe la distancia objetiva,no hay heroismo, sólo la justicia del Antiguo Testamento: la ley del Talión.

EL ADIOS DE UN TIPO CASI PERFECTO

2010-09-30T21:31:00.004+02:00

El último que quedaba de un cuarteto mítico: Marilyn, Jack, Wilder y ahora Tony.

En recuerdo de todos los buenos ratos que ha hecho pasar a un montón de seguidores imperfectos.

LAS MIL Y UNA CARAS DE LA LINEA

2010-09-28T19:02:00.015+02:00

La línea es el primer elemento del dibujo. Dibujar es ordenar, construir un espacio cuya estructura sustentan líneas. Elegir cúales y cómo trazarlas es lo que trabajaremos en este aprendizaje de Dibujo Artístico de Bachillerato.

Para empezar, lo que más resalta en cualquier dibujo es el contorno, es decir la línea que configura la forma exterior de un dibujo.

Abstraerse de las líneas interiores para sintetizar la forma externa es un ejercicio que requiere habilidades que hay que practicar. Las líneas interiores, que definen cómo está hecha la forma resultan muy útiles para dibujar. Son el dintorno. El dintorno completa al contorno y permite establecer relaciones entre las formas exteriores y las interiores.

Un maestro de la linea, Retrato de Gustav Klimt.

Bajo esta aparente simplicidad, se encuentra una enorme paleta de soluciones para un buen dibujo a línea.

Si se opta por la línea limpia, o pura, primero debe existir un encajado suave, que permita insertar esta línea para acabar los contornos con mayor seguridad. Esta línea no es continua, sino que se interrumpe, afilándose cuando es necesario para indicar un cambio en el grosor o la importancia de lo dibujado.

En esta manga dibujada por Leonardo la linea se estrecha o ensancha en funciòn del grosor de los volúmenes que representa.

La línea pura directa requiere una gran práctica, como podemos ver en estos dibujos de grandes maestros

Un siglo separa estas dos formas de entender el dibujo. El de arriba es el de un maestro de principios del XIX, Ingres, adalid del clasicismo. Ha trabajado con una cuadrícula el retrato y cuando está seguro, lo remarca con una linea de gran limpieza y seguridad.

Debajo, Egon Schiele, representante de la vanguardia de principios del XX en Viena, desarticula la figura humana, dotándola de una expresividad atormentada, que no sólo por la postura, sino que el tratamiento de una linea segura pero vibrante contribuye a esta misma fuerza.

A Klimt le interesa resaltar la cara y el brazo que expresan la melancolía de la mujer, por lo que las termina de forma resaltada , mientras que aboceta el resto.

Modigliani alterna la linea de un sólo trazo, limpia , que sigue visible en el brazo y la pierna. El resalte del fondo potencia la separación fondo-figura.

Una variedad de línea pura es la sinuosa. Maestros en su uso son Matisse y Picasso.

Estas lineas combinan la sinuosidad del trazo con la discontinuidad. En el dibujo siguiente, Toulouse Lautrec rompe conscientemente la continuidad del trazo para resaltar los cambios de dirección. La diferencia en la intensidad del trazo también contribuye a potenciar las lineas más importantes.

El uso de la línea quebrada aumenta la facilidad expresiva. No define un contorno limpio, pero se utiliza muchas veces para dibujos de gran expresividad pictórica. Cambiando la presión se consiguen diferencias de grosor que hacen más interesante el dibujo. El peligro es creerse en el poder demiúrgico del trazo propio y enmascarar la falta de destreza en un supuesto deseo de manifestar la personalidad.

El aparente caos de Los dibujos de Giacometti se entiende cuando se observa que la forma surge por acumulación de lineas. En realidad de esa maraña surgen figuras de gran belleza .

La linea quebrada de este dibujo es una buena elección. Contribuye a retratar la agresividad del personaje.El sombreado demuestra un excelente dominio del dibujo. El autor es Jesús Alonso, dibujante de comics e ilustrador. Podéis ver su trabajo aquí.

Tradicionalmente se contraponen los conceptos de línea y de mancha, entendiendo que al segundo le corresponde las gradaciones de la luz y volumen. Pero con línea también se pueden conseguir. Normalmente los sombreados con línea son muy frecuentes en la historia de la pintura.

Autorretrato de Rembrandt. Sombreado clásico con lineas entrecruzadas.

Del mismo autor , un apunte mucho menos acabado que muestra una clara linea de contorno quebrado y un sombreado más libre, con cruzados en direcciones variables.

En este retrato de Toulouse Lautrec la linea que configura el pelo es mucho más libre de lo que podía ser la rubeniana. El sombreado apenas sigue la estructura del cabello en el peinado, prima el efecto lumínico que contribuye a resaltar la cara. La linea apenas esbozada del traje contribuye a resaltar la parte más importante.

Cualquier linea puede ser utilizada con fines estéticos. En este caso todo un entramado de lineas que no parecen representar nada configuran un fondo que resalta la parte acabada.

Una opción que también es útil manejar es dibujar con lineas muy suaves, muy poco marcadas, de manera que forman un contorno grueso que se puede utilizar como base de un sombreado apenas insinuado. Sobre este trabajo, se marcan con mayor fuerza y carácter las lineas que configuran la parte más que más interesa resaltar del dibujo. Valga como ejemplo este retrato de sir Thomas Elliot, de Holbein.

Rubens muestra el mismo proceso en este dibujo de su hijo. Unas lineas muy suaves delimitan las formas y el contorno. Aprovechar el trazado de la linea para hacer el cabello es un recurso habitual, ya que los mechones guardan una gran similitud iconográfica con su resolución.

Cualquier dibujo puede llevar aparejados "arrepentimientos". Los brazos de esta mujer de Degas muestran tres o cuatro posiciones distintas. Sin embargo el pintor no descartó la imagen y siguió trabajando hasta configurar las lineas definitivas.

Rodin utiliza la linea sinuosa, es una de sus favoritas, pero en su caso la resalta , obsesionado por captar la articulación del movimiento, que plasmará en sus esculturas. Es la liberación del dibujo acabado, del efecto fresco del apunte, que ensalza la mano del artista, su gesto, por encima de un resultado muy acabado y cerrado.

EL ESPACIO NEGATIVO

2010-09-26T20:16:00.011+02:00

Este curso 2010 me voy a dedicar al bachillerato artístico en Alcalá de Henares.No niego que me apetece mucho esta nueva aventura, pero todos estos años de rodaje de plástica en la ESO me han enseñado muchas cosas. Y he conocido a gente maravillosa, tanto alumnos como compañeros. Mucha suerte a todos y muchas gracias por todo.

El espacio negativo que titula este post es un descubrimiento antiguo, pero se utilizaba de forma intuitiva hasta el siglo XIX. Consiste en dibujar una o varias figuras prestando atención tanto a su contorno, como a los huecos que su trazado configura sobre el fondo.

Es en oriente , especialmente en Japón, donde se desarrolló este concepto , dándole una importancia excepcional. La configuración de los intervalos, o de los "silencios" ,en la imagen , en este caso los espacios negativos, sustentaban una obra tanto como las figuras.
Veamos el caso paradigmático:

La ola de Hokusai. Estudiada como modelo de perfecta síntesis, estructura y composición, todavía esconde secretos¿Reconocéis una ola en el espacio que hay alrededor de la ola marina?.El espacio negativo es simétrico del positivo, a la manera de Escher.
La composición del dibujo de estos bambúes prima de tal manera la estructura recortada sobre el fondo que funciona perfectamente en cualquiera de las cuatro posiciones.

Ya comentamos en otro post la importancia que tuvo la llegada de las estampas japonesas a occidente, y lo que influyó en muchos pintores: temas, composición, y dibujo.

La pintura occidental se había concentrado en representar el espacio, de manera que el fondo no se percibía como algo plano, sino como un juego ilusionista: perspectiva cónica y aérea.
A partir de la llegada de imágenes de arte japonés, los pintores se atrevieron a prescindir de estos fondos para volver a los tonos planos, y a prestar atención conscientemente al espacio negativo.

En el cuadro de Van Gogh, "la rama de almendro", se sintetiza la forma de componer el espacio de oriente, con la tradición volumétrica de occidente.

Nuestro primer ejercicio ha sido un modelo en dos dimensiones. Esta fotografía de Mappelthorpe.

Se pretendía que , al tiempo que se trabajaba el contorno de la rama, aprendiéramos a fijarnos también en la referencia que supone el espacio en hueco. Normalmente, tendemos a olvidar su importancia. Lo que pretendemos representar llena toda nuestra atención, es la figura, lo demás es el fondo. Pero el fondo forma planos , que a menudo se asemejan a figuras geométricas. Y es muy sencillo copiar una figura geométrica, mucho más que una forma orgánica.

Parece que Razvan Dan lo ha entendido perfectamente. Y su dibujo funciona.

Trabajamos de la siguiente manera. El modelo se situaba cabeza , para fomentar la desarrollar y comprobar la visión espacial con el lado derecho del cerebro.
La figura se abstrae de referencias reales para centrarse en formas, ángulos, distancias y espacios. Los mejores resultados de este ejercicio son los de estos cuatro chicos, pero me ha costado elegir.

Sergio Carreño

Rubén Delgado

y Paula del Prado, que ha resaltado con linea gruesa el contorno.

Espero que este sea el primero de muchos post dedicados a sus progresos y que no dejen de sorprendernos .

VERDE, EL COLOR TARDÍO

2010-09-22T20:09:00.009+02:00

Ni una sola de las plantas que muestran en la naturaleza toda la gama de los verdes es capaz de producirlo . Es un color complicado. Muestra una amplia variedad de matices, desde el verde azulado al verde grisáceo o amarillento. La facilidad actual para obtener cualquier color hace que nos resulte costoso entender las restricciones de los tonos que se presentan en las pinturas de otras épocas. Y existe un motivo, que poco tiene que ver con el gusto o la preferencia del artista, sino con otros valores más prácticos.

El color verde conocido más antiguo es el que se obtiene de la malaquita, una piedra semipreciosa que es carbonato de cobre.

El verde malaquita es un color intenso, muy estable a la luz cuando es puro y bastante cubriente. Pero también es caro. Los egipcios lo obtenían de sus yacimientos del Sinaí , y es verde malaquita el que cubre el cuerpo de Osiris y los párpados de los ojos de sus jeroglíficos y sus pinturas de jardines. El verde es un color sagrado para los egipcios , asociado a la inmortalidad.

El principal problema de la malaquita, aparte de su precio, es que no se puede mezclar con otros tonos porque se vuelve inestable. Cansados de estas dificultades, los romanos desecharon este pigmento a favor de las tierras verdes.
Las tierras verdes provienen de arcillas verdes, y se encuentran con facilidad en toda Europa, pero especialmente en la zona del Véneto, en Verona. Son fáciles de mezclar con otros tonos,lo que consigue mayor variedad de matices, pero respecto a la malaquita , resultan más apagadas.

Son tierras verdes las que enmarcan a Flora en la pared del fresco de Pompeya.

El aislamiento y la pérdida del conocimiento que conllevaron los años medievales hizo sumergirse en un aparente olvido al verde malaquita. En la Edad Media se trabaja con las tierras . Y con un verde conocido como verdigris, que proviene de la oxidación del cobre al contacto con el alcohol de orujo. Es una receta muy antigua, que se utilizaba mucho en el ámbito monástico, y especialmente en Irlanda. Gran parte de sus manuscritos iluminados contienen este color.

Biblia de Kells

También sirvió esta tierra verde para la base de las carnaciones en las pinturas al fresco. Bajo las figuras de Giotto, la sombra verde sobre la que se pintaba la piel, ayudaba a construir el volumen.

Giotto. La natividad.

Alrededor del siglo XIV, reaparece, posiblemente a través del mundo árabe, un color que atrapa y fascina a los pintores. Mezclado con temple al huevo, decora las miniaturas del las "Muy ricas horas del Duque de Berry".

Luego ,con óleo, la antigua malaquita recupera todo su esplendor en la pintura holandesa de fines de la Edad Media. Es , con el rojo y el azul ultramar , el color más brillante de sus composiciones.

La esposa del "Matrimonio Arnolfini" despliega un magnífico vestido verde malaquita, que ha permanecido con la misma brillantez durante cinco siglos.

Pero sigue conservando sus inconvenientes antiguos : es muy costoso, por lo que se utiliza poco; y no se puede mezclar con otros tonos, lo que hace que los brillantes verdes de los paños de los caballeros no se desplieguen en variadas gamas en el paisaje.

Hugo van der Goes, contemporáneo de van Eyck lo utiliza en su colorista "Tríptico Portinari"

Y aquí un apunte. Como ya comenté en el post sobre el azul ultramar, ninguna de estas telas refleja vestidos reales. Hubiera sido prohibitivo. Para conseguir un verde, los tintoreros tenían que mezclar azul y amarillo, pero resulta que unos tintoreros se ocupaban de los tintes amarillos y otros ( en otra parte de la ciudad) de los azules. Cuando consiguieron juntarse para conseguirlo, tenían que echar tanto mordiente en el tinte para que se impregnara el tejido, que la tela se ajaba enseguida, y duraba muy poco.

Tan sólo los campesinos usaban alguna tela verde grisácea, teñida con pigmentos minerales, pero de tonos apagados, nada que ver con las mallas de Robin Hood.

El óleo es la técnica de las mezclas, por lo que se hacía necesario recuperar esta capacidad, los colores no pueden permanecer estancos, sino que se influyen unos a otros. Y los artistas volvieron a la tierra verde, que se empezó a llamar verde de Verona, o verde veronés.

Cristo entre los Doctores, un despliegue de amarillos de nápoles, verdes verona y carmín.

Es cierto que procedía de Verona, pero también que es un color indisolublemente unido a Paolo Cagliari, il Veronese.

Inconfundible el tono entre la riqueza cromática veneciana del siglo XVII. Las bodas de Canáa

El verde Veronés es el verde del barroco, junto con el verde obtenido por mezcla de azul y amarillo. Y hasta el siglo XIX será el verde que represente a la naturaleza, obteniendo unos resultados muy artísticos , pero también muy artificiales.

El columpio. La artificiosidad de la naturaleza rococó. Watteau.

Será el desarrollo de la industria química la que proporcione la más amplia gama de tonos verdes , estables, y baratos. Se fabrican para teñir telas de la floreciente industria textil inglesa, y de allí pasan al mundo de los colores para artistas. El verde esmeralda ilustra los jardines de Monet y de Renoir, y es imposible concebir a Matisse o a Kandinsky sin él.

Para nuestro ojo entrenado, del siglo XXI, esta profusión de verdes a nuestro alcance, hace mucho más difícil aproximarse al paisaje barroco, que carece de nuestros medios. Nunca podemos sustraernos a la sensación de extrañeza que nos producen los paisajes en marrones y rojizos, de Claudio de Lorena o Poussin. Pero al menos podemos intentar comprender el porqué.

SAN GIORGIO MAGGIORE : PINTANDO A PALLADIO

2010-09-18T16:06:00.014+02:00

No sé por qué, pero son varias las iglesias de Venecia cuyas fachadas miran hacia el oeste. San Marco, San Zacarías, San Francesco alla Vigna, … Premeditado o no, la luz del ocaso las dota de un colorido resplandeciente, que resalta aún más al estar construídas en mármol blanco.

Frente a la piazzetta de San Marcos, entre las dos columnas que son la marca de entrada en la ciudad de la Señoría, se puede contemplar la isla de San Giorgio. En ella, como un faro que de la bienvenida a Venecia, se yergue una iglesia diseñada por Palladio.

San Giorgio Maggiore es una obra de arte, cuyas características técnicas y estéticas podéis ver en el blog de Vicente. Una obra de arte que se ve resaltada por su escenario. Ni la más planificada de las ciudades puede igualar la perspectiva de este edificio.

El concepto barroco de urbanismo , que busca resaltar el espacio circundante como parte de un monumento, hace uso de escalinatas, amplias plazas, rampas y columnatas rodean la escena y engrandecen el objeto de contemplación.

Aquí la plaza es la laguna, el espejo teatral en el que se ve reflejada , desde puntos de vista cambiantes , no elegidos, fugaces. No podemos permanecer en ninguno mientras nos acercamos, porque vamos en barco. Esto la convierte en un juego de ilusiones barroco. Y tremendamente plástico.

El elenco de artistas que se han sentido atrapados por ella es muy largo. La tradición de la veduta en el siglo XVIII, desde Guardi o Canaletto, contemplaba como interés plasmar reproducciones de espacios monumentales o pintorescos.

De todos los escenarios pintados por los vedutistas, sólo San Giorgio ha continuado atrayendo a los grandes de todas las épocas.

Quizá Palladio no sabía que , al terminar la obra, empezaba la “otra” construcción de San Giorgio. Es una obra abierta. Percibirla sólo arquitectónicamente es prácticamente imposible si se está influido por la visión que han transmitido otros artistas. Tendemos a apreciar valores que podrían habernos pasado desapercibidos. Envuelto en bruma, a contraluz, bañado por la luz de la puesta de sol, cada artista lo ha interiorizado, y se ha pintado a sí mismo, como un autorretrato pictórico, en San Giorgio.

Canaletto y Venecia, es un binomio inseparable. Detallada arquitectura, efectos atmosféricos sin descuidar el pintoresquismo de las figuras humanas.No olvida situarla al sol, lo que llena de calidez el reflejo sobre el agua.

Turner capta la vista de la iglesia desde la Giudecca, al amanecer.La belleza de esta acuarela es un hito por su capacidad de síntesis , y un efecto casi fotográfico.

Rushkin, el primer responsable del primer boom turístico de Venecia, realizó una gran cantidad de dibujos durante su visita, que publicó en "Las piedras de Venecia". El libro fue un best-seller que llevó a Venecia, entre otros, a Proust.

El misterioso Whistler, apasionado de los contraluces y los tonos apagados, destacó las siluetas que se difuminan en la bruma.Su San Giorgio podría ser cualquier puerto, solo la forma del campanile nos sitúa en el escenario correcto.

Boudin era , ante todo un pintor de marinas. Acostumbrado a los cielos cambiantes de Normandía, la laguna se le aparece con un profundo azul celeste.Su pincelada corta y rápida sería una inspiración para Monet. En este caso la vista es desde San Giorgio, el enbarcadero de la derecha es el que desemboca en la iglesia.

Las composiciones de Corot son siempre tranquilas y serenas. Fija su interés en los tonos medios, que sintetiza en masas compactas y armónicas

Es otro punto de vista, pero los intereses son los mismos. Lineas verticales y horizontales que cuadriculan la composición , y un modelo resaltado por tintas planas, en el cielo y el suelo.

Monet pintó muchas veces Venecia. En ésta la recortada silueta de nuestra iglesia destaca entre una puesta de sol que exalta los tonos hasta adelantarse a los fauvistas.

Renoir aplica la pincelada que descompuso en jirones la luz filtrada de los árboles , para representar el agua de la laguna. Como siempre, sabe sacar la más amplia gama de matices al negro. Es uno de sus grandes recursos pictóricos.

Signac trabajó con los tonos primarios, y aplicó la teoría del contraste de complementarios. El verde del agua contra el rojo del ladrillo; la portada en amarillos frente al cielo violáceo.

Para Cros, es un magnífico ejercicio de puntillismo. Cada color vibra en el agua permitiendo infinidad de combinaciones cromáticas.

De Dufy se puede decir , que haga lo que haga , siempre es un Dufy.Liberado de cualquier convencionalismo sobre cómo tratar la pintura, introduce lineas de grafismo y contornos con un colorido, en su linea, fauvista.

Los más consagrados vanguardistas también tienen un pasado clásico. Giorgio de Chirico.Se reconoce en él la preocupación espacial, y el ambiente opresivo y solitario de las pinturas que todos asociamos con él.

Y para terminar, Kokoschka. Inconfundible e incontenible, la explosión gestual y de color es el verdadero motivo del cuadro, en el que se adivina, en la lejanía, la forma de San Giorgio.

BONNARD:PARAISOS INTERIORES

2010-09-17T15:46:00.007+02:00

Mientras Picasso y Braque inventan el cubismo, que cambiará para siempre la forma de mirar del arte occidental, un pintor introvertido permanece al margen de la moda vanguardista. Se llama Pierre Bonnard y se sintió fascinado por los hallazgos impresionistas , incluidas las estampas japonesas. Entre los impresionistas y el cubismo, Bonnard se quedará, según sus propias palabras, suspendido en el aire. Su vida transcurre recluida, silenciosa, siguiendo su inclinación natural al aislamiento en su residencia campestre, primero en Vernon, al norte de París, y luego en la Costa Azul, en una casita llamada le Bosquet.

La ventana abierta(1921)

Allí convertirá su mundo cotidiano en excusa para la creación pictórica: desde la mesa del desayuno al anondino cuarto de baño, supera el interés por captar un instante para construir la pintura como una combinación infinita de variaciones plásticas.

El comedor en el campo(1913)

Bonnard articula el espacio como una construcción mental. Pinta sobre telas que no están montadas sobre bastidor, sino sujetas a la pared, porque desconoce cúal será el límite que tendrá el trabajo terminado. Son varios los cuadros en que se mueve al mismo tiempo, y la riqueza de matices de sus composiciones y superficies nos habla de un proceso en permanente revisión , en una continua pregunta.

El desayuno

Las diagonales son las direcciones recurrentes desde los trabajos más antiguos, donde se siente más claramente la influencia de la estampa japonesa.Este desinterés por la perspectiva lineal tradicional encuentra la forma de desarrollarse en la despreocupación por las variaciones tonales para sugerir la profundidad de la escena.

Desnudo a contraluz (1908)

Este cuadro es un encuentro entre impresionismo y cubismo, y el resultado es un camino nuevo.
Del impresionismo toma el uso de los colores complementarios , especialmente visible en las sombras. La postura de la modelo, Marthe, mujer del pintor, reproduce la de una escultura de Degas. El contraluz le sirve de excusa para arrojar sombras coloreadas de violetas, naranjas y azules, los contrarios al luminoso amarillo de la pared y claro azul de la cortina.

Bonnard toma del cubismo la yuxtaposición de diferentes puntos de vista en una misma imagen. Si miramos la posición de la tina , es incompatible con la del sofá.Es un ejemplo de construcción compartimentada, dividida en secciones, primando el desarrollo de la composición por encima de la impresión.
Sus pinturas muestran el interés por las lineas rectas, horizontales y verticales , que articulan espacios separados. Superficies que comienza a trabajar como palimpsestos. Consigue matices de color superponiendo una capa tras otra, retocando y volviendo a retocar.

El comedor en el campo (1934)

Todas ellas se alejan del modelo para convertirse en un tapiz de tonos, de urdimbre no naturalista.La caída de la tarde le proporciona una luz azulada que es su favorita para crear sombras coloreadas. Las paredes rojizas (pintadas así en la casa) le proporcionan el marco ideal donde reverberan los tonos.Una jarra de leche se convierte así en involuntario motivo, olvidado sobre una mesa, de oscuras evocaciones. El contraluz de Marthe, que ha recordado a un crítico la estampa de una koré, transmite el sabor del ocaso de una civilización: el mundo de Bonnard.

La jarra de leche (1919)

En el baño, Marthe se metamorfosea en parte de la habitación. Si en las primeras pinturas de desnudos Bonnard tomaba la actitud de Degas, la del voyeur, en le Bosquet , la modelo se convierte en un animal acuático carente de rostro y cuyas formas se funden con los objetos.

Salida de la bañera (1926)

En esta salida del baño, la espalda coincide con el contorno de la bañera, y alarga de forma consciente la proporción del cuerpo que adquiere aspecto fusiforme. No existe el blanco en este cuarto de baño, los azulejos del suelo vibran carentes de toda perspectiva, como gotas de agua, inaprensibles.

El baño (1925)

La presencia de horizontales compartimenta el lienzo en espacios donde fluye un mar de tonos.El animal acuático -Dánae, Ofelia- se sumerge en el agua, en infinita quietud , que rompen las variaciones de la pincelada y los matices cromáticos. Ante este cuadro, siento que Rothko sólo dio un paso más allá en el camino que ya había explorado Bonnard.

Y ni a uno ni a otro se les puede hacer justicia con las reproducciones de internet.

EL CUADRO MÁS BELLO DEL MUNDO

2010-09-12T20:59:00.009+02:00

París, 1921. El escritor Marcel Proust descubre en el periódico las excelentes críticas de una exposición de pintura holandesa en el Jeu de Paume. En contra de su costumbre, se levanta temprano para acudir junto a J.L. Vadouyer, crítico y conocido suyo. Su llegada es accidentada. Primero sufre un mareo al bajar la escalera y mientras recorre la exposición con paso vacilante tiene que ser sostenido por su amigo. Pero cuando se sitúa frente a la “Vista de Delft”, de Vermeer , no puede sino confirmar lo que había sentido la primera vez que lo vio, hace veinte años , en la Haya: “Entonces comprendí que estaba contemplando el cuadro más bello del mundo”.

La sombra de Vermeer se filtra por toda la obra de Proust. En su búsqueda incesante para conseguir atrapar el tiempo, encuentra en la obra de Vermeer un reflejo parecido a sus inquietudes. Porque las pinturas de Vermeer son instantes eternos. Al mismo tiempo que dan la impresión de serenidad y quietud, entendemos que todas ellas desprenden una sensación de fugacidad: El astrónomo que levanta un momento la vista del mapa, la mujer que se vuelve como requerida por una llamada, la criada que vacía el jarro de leche… Sin duda no es casualidad que siempre que se aluda a Vermeer salga a colación su relación con la cámara oscura. Es que la aprehensión de esos gestos nos recuerda instintivamente a las instantáneas fotográficas. Ninguno de sus modelos podría posar horas, ni siquiera minutos, porque los gestos que capta son momentáneos. Y los congela, como le gustaría hacer a Proust.

En la “Vista de Delft”, cuesta un poco más percibir esa sensación de fugacidad. Los modelos del pintor son sus edificios, de naturaleza inmóvil. Las personas que aparecen no son sino meros adornos. Pero está, porque no es posible concebir si no la magia de esta pintura. En el cielo de una tarde de verano, unas nubes oscuras ensombrecen la ciudad. Solamente el paso de unas nubes... pueden cambiarlo todo. Y como hemos experimentado muchas veces, la sensación sólo dura un instante.

Elegir ese momento para pintar un cuadro requiere una sensibilidad excepcional. Porque la ciudad natal del pintor podía haber sido representada con una luz esplendorosa, que resaltara los colores y la hiciera brillar al sol. Sin embargo, Vermeer utiliza el contraste de luz para dar sentido a una composición que podría verse afectada por el exceso de horizontales.

Una primera división, establece dos partes: el cielo y la tierra. La línea del horizonte es ligeramente más baja que la mitad.

Aún así, el peso visual del cielo, que sería enorme al estar resuelto en colores claros, queda compensado por la nube oscura que enmarca el borde superior y que lo adelgaza. La tierra, se divide en tres sectores , marcados por el primer plano de arena, el agua del río y los tejados. En estos es donde Vermeer despliega una exquisita paleta dentro de dos tonos básicos. El azul y el naranja. Porque el cuadro, como todos los del autor, está construido como una filigrana de matices .

Esta es la paleta de la Vista de Delft. Son unas pocas variaciones de dos colores opuestos, complementarios. Por ello, escogerlos supone un riesgo que podría conducir a la estridencia. El equilibrio que se trasluce del cuadro viene de su punto de saturación. Vermeer nunca pone al lado un azul o un naranja puros, sin mezcla de blanco o negro. Si observamos los tejados, los azules son tonos terciarios, con mezcla de negro o , mientras que los naranjas que tiene al lado brillan en todo su esplendor. A la derecha, los amarillos con blanco se ven compensados por los azules grisáceos. El jirón de azul cielo resalta espectacular entre las nubes grises, mientras que el amarillo del suelo se ve matizado por el gris azulado del agua.

Muchos autores han destacado que , en la zona iluminada por el sol de la ciudad, resalta la torre de la Neue Kirke, la iglesia principal de la ciudad de Delft.

Entre el posible significado simbólico, se destaca su vínculo con la monarquía de los Países Bajos, ya que en su suelo está enterrado el primer miembro de la dinastía, Guillermo de Orange, y artífice de la independencia. Pero además, en esa iglesia fue bautizado el propio Vermeer, y sería enterrado allí. Mediante el uso del contraste creado por la masa oscura de los tejados, el brillo de la torre atraparía la mirada del espectador.

Siempre se ha descrito en este cuadro, el uso del punteado para crear la sensación de reflejo del agua , en los barcos y los edificios. Eso mismo se ha relacionado con los efectos producidos por las lentes en las imágenes formadas por la cámara oscura. Parece, sin embargo, que hay discrepancias sobre ello.

Me interesa destacar que , aunque este efecto sea artificial, la contemplación del cuadro no encuentra distorsión alguna en ello. Se convierte en algo natural en el cuadro, como si no pudiera ser resuelto de otra manera. Es el estilo de Vermeer, su perfección.

Proust realizó una recreación de su visita a la exposición, convirtiéndolo en la revelación definitiva que antecede a la muerte de un artista. El escritor de su obra , Bergotte, sufre un ataque, en parte provocado por la “Vista de Delft”. Una pequeña parte del cuadro, sobre la que los especialistas no se ponen de acuerdo , le hace enfrentarse con ojos críticos ante su propia obra. El escritor , azuzado por enfermedades en principio imaginarias, sufre una catarsis que le lleva a la muerte.

La mirada de Proust no hace sino acrecentar la grandeza de Vermeer. Es la lectura de una sensibilidad preocupada por aprehender lo inaprensible. La fugacidad que se nos escapa, volátil, como el tiempo. Sin embargo, por aquellos misterios del arte, podemos sentir esa tarde de verano , ensombrecida por una nube pasajera, en el Delft del siglo XVII, como lo sintió Vermeer y como lo recibió Proust.
A mí también me parece , si no el más, uno de los cuadros más bellos que existen.

Para saber más: http://www.essentialvermeer.com

ICONOGRAFIA PALEOCRISTIANA EN GALA PLACIDIA

2010-09-08T16:34:00.008+02:00

Después de un fantástico verano de viajes y experiencias , era hora de volver al trabajo. Pero la inauguración de septiembre no me corresponde a mí, sino a mi amigo y mentor , el inigualable JV. Como puede que no todo el que entre en este blog le conozca, en una pequeña píldora que concentra lo mejor de su esencia , diré que es infatigablemente inquieto y curioso, a pesar de que atesora un mar de sabiduría. Su especialidad es la Historia Medieval, pero es un campo pequeño para sus investigaciones, que incluyen, en primer lugar, disfrutar de la vida. En palabras de un sabio: nada de lo humano le es ajeno. Gracias por tu humanidad y por tu post.

Por fin cumplo mi compromiso con Ana de publicar un post en su blog. Es para mi un auténtico placer poder compartir espacio con una gran profesional a la que admiro sinceramente. Espero que esta pequeña aportación, al menos, mantenga el altísimo nivel de su blog.

Para la bitácora de una gran mujer que mejor que hablar de otra gran mujer: Aelia Gala Placidia, ejemplo de ese grupo de féminas cuya aportación histórica nunca es valorada en su justa medida. Esta llevó las riendas de un Imperio en descomposición, donde la consolidación triunfante del Cristianismo como doctrina preeminente, nos dejo joyas arquitectónicas y artísticas de una belleza inigualable que a la sazón se han concentrado de forma monumental en la ciudad de Ravenna, último reducto del ya agonizante Imperio Romano allá por el siglo V.

Vamos a centrar nuestro post en el que se considera su mausoleo, aunque hoy sabemos que sus restos no descansan allí. Su propia forma ya nos esta informando de elementos cristianos que a

través de símbolos sirven de guía a los iniciados en la fe que durante mucho tiempo fue perseguida. Presenta una cruz griega casi perfecta que alude a ese período inicial llamado paleocristiano que suele combinar una estructura exterior austera con un interior donde la exaltación decorativa de los mosaicos alcanza una plenitud casi poética.
Se combinan en su interior: un alto zócalo de mármol ambarino en la parte inferior (restaurado en el siglo XIX) y una profusión de mosaicos deslumbrantes en la bóveda y las paredes .

La gama cromática va desde el intenso azul añil como fondo sobre el cual resaltan armoniosamente tonos grisáceos, celestes y dorados, reavivados con sobrios acentos rojos, verdes y amarillos. El ambiente interior tiene un gran encanto y da una sensación de quietud espiritual que se ve reforzada por la luz filtrada a través de las ventanitas de alabastro que dan una luz cálida y dorada.

En la cúpula aparece un cielo nocturno con 570 estrellas de oro que giran concéntricamente alrededor de una cruz latina dorada colocada en el centro, y que es el símbolo de redención. En los cuatro costados, emergen sobre nubes sutiles los cuatro símbolos de los Evangelistas :El León (San Marcos), El Águila (San Juan), El Toro (San Lucas) y el Hombre Alado (San Mateo).

Las referencias iconográficas son muchas y variadas, encontramos un bello Crismón con el Alfa y el Omega que simbolizan el principio y el fin, símbolo de la omnipresencia divina y de su concepto de Creador. (Foto detalle Crismón).

La referencia a la eucaristía aparece como uno símbolo casi emblemático de Gala Placidia, dos palomas aparecen bebiendo de un jarro. De esta forma aúnan en un mismo icono dos mensajes la salvación de las almas (que representan las palomas y su resurrección a través de la comunión, que implica la relación casi biológica con Dios).

La imagen se convierte en puro soporte de un concepto, perdiendo en esta transformación sus cualidades visuales naturalistas (perspectiva, armonía, volumetría, realismo...) que ya no son necesarias. Sólo quedará aquello que transmite información (jerarquía, simbología...) o sentimientos religiosos (hieratismo como forma de lejanía de la divinidad).
No obstante la fuerza artística y cromática de los mosaicos del mausoleo de Gala Placidia, es incontestable. Así, en uno de los brazos cortos laterales, aparece una profusión de colores que nuevamente remarcan la simbología con imágenes espléndidas como la que podemos ver en esta foto .

En ella, además de una nueva referencia a la eucaristía con fantásticas vides entrelazadas que provocan un casi mágico juego de contrastes cromáticos, vemos dos ciervos que se acercan para beber en un pequeño lago encrespado (detalle muy tosco con líneas más gruesas que marcan ese movimiento acusado del agua) rodeado por un verde prado. Esta escena alude a los versos del Salmo XLI-1-2, que dice: “Como brama el sediento ciervo por las fuentes de agua, así ¡oh Dios¡ clama por ti el alma mía”. Como vemos el valor didáctico y el mensaje son de lo más elocuente, para una sociedad que curiosamente al igual que pasa hoy en día con la nuestra, aprende más por la imagen, que por la palabra o el discurso del que enseña. La imagen del ciervo vinculada también con el creyente refuerza la idea de esa fe, si cabe más intensa en estos momentos, donde el encuadre de determinados grupos sociales, fue clave para la consolidación del catolicismo como vía preferente, dentro de las diferentes corrientes cristianas.

También tenemos a San Lorenzo,quien aparece con los atributos de su orden diaconal, con el libro de los Salmos y la cruz procesional, que se encamina al martirio en una parrilla en llamas. Va presto (píes danzantes) y decidido a dar su vida por su fe, con lo que se remarca esa idea de sacrificio tan importante en estos momentos de reafirmación de la iglesia que como vemos en imágenes anteriores aparece simbolizada en la figura de San Pedro y San Pablo (Foto San Pedro y San Pablo)

En la misma fotografía observamos un pequeño armario abierto que permite entrever, apoyados sobre dos anaqueles, cuatro libros encuadernados en rojo donde leemos claramente el nombre de sus autores que no son otros que los Cuatros Evangelistas que veíamos anteriormente representados.

Por último la imagen del Buen Pastor entre su rebaño remata otro de los lunetos. Esta imagen nos recuerda aún la representación de Cristo en la clandestinidad como un Moscóforo, un pastor de rebaños, utilizado por los primeros cristianos y que alude a la definición que hizo de si mismo en Juan X,14. Aparece caracterizado como un joven imberbe, esto es el Cristo alejandrino tan típico del siglo IV. Se le representa también en la variante conocida como Pastoral Celestial, en donde cuida de su rebaño con cruz de palo largo (resurrección).

En definitiva como vemos una pequeña construcción puede encerrar los más bellos e increíbles tesoros y este es el caso de este pequeño mausoleo, donde el alma intelectual se reconforta con una joya del arte del mosaico del que existen otros ejemplos pero que en Gala Placidia y en Ravenna, encuentra quizás una de sus más excelsas expresiones.
Un placer poder compartir este trabajo contigo.

Fotos JV y Eugenia.
Texto José Vicente Matellanes

RETRATOS DE PERFIL

2010-07-13T11:24:00.014+02:00

El retrato de perfil es una de las primeras aproximaciones al dibujo del ser humano. Vemos las pinturas egipcias, o los relieves acadios. Allí aparece representado el hombre con uno de los convencionalismos más populares: el ojo de frente y el rostro de perfil.

Se nos indica , muchas veces, que este hecho se debía a la ignorancia de los artistas, a su escasa capacidad de obsevación. Pero nada más lejos de la realidad.
Observando el busto de Nefertiti, obra maestra del retrato de todos los tiempos, nada de eso encontramos en los ojos.

Son ojos, que , sorprendentemente, están totalmente de perfil. Además, las proporciones entre las partes del rostro coinciden de manera milimétrica con las que establece un clásico como Leonardo.
Sin embargo, del mismo período es este perfil de Akhenatón, su marido.

La perfección modélica de Nefertiti contrasta con la ruptura de las relaciones de las partes del rostro. Esa oreja, fuera de su sitio, la mandíbula descomunal y la delgadez enfermiza ha suscitado la siguiente pregunta.¿Era así, realmente?
A veces nos olvidamos de que tenemos la misma capacidad de crear, sintetizar , o idealizar que las civilizaciones antiguas. Si de nuestra época sólo quedara un dibujo manga, cuatro mil años después nos despreciarían , seguramente, por no habernos fijado en que los ojos humanos no tienen ese enorme tamaño, o la nariz es tan diminuta.

¿Porqué los egipcios no podían elegir interpretar un retrato?

Elegir un retrato de perfil para empezar a dibujar suele ser habitual. El motivo es que el perfil permite reconocer un rostro por su contorno, es decir, las lineas que lo forman lo separan del fondo, y así se crean multitud de referencias basadas en una forma recortada que es más fácil de sintetizar. El fondo actúa como una forma negativa que complementa la referencia de la cara. Por ejemplo, si nos fijamos en la frente, la linea que trazamos está marcada por el positivo del rostro, pero también por la forma que deja en el fondo.
Los principiantes de todos los tiempos lo han sabido, pero cuando el dibujo se puso de moda entre las diversiones de sociedad, desde el XVIII ,las señoritas realizaban retratos de silueta ayudadas por una vela y una cuadrícula.

Perfil de Jane Austen, hecho con la técnica del contraluz y el papel cuadriculado.

Esta idea provenía de la representación numismática, que plasmaba gobernantes, héroes y dioses en monedas y familiarizaba con esta imagen. Desde el Quatrocentto se consideró elegante elegir este tipo de retrato, y muchos mecenas se inmortalizaron así.

Piero della Francesca pintó a Federico de Montefeltro y a su esposa, en un paisaje plagado de referencias simbólicas. Sus perfiles se recortan nítidamemente sobre un fondo claro. Incluso se atrevió a trabajar el contraluz en el retrato masculino, que ensombrece el rostro.

En este de Antonio de Pollailolo podemos observar relaciones geométricas entre las partes del rostro. La situación del ojo, siempre en la entrada que marca el puente de la nariz. El párpado, en horizontal con la oreja y la barbilla alineada en vertical con el ojo. Son relaciones ideales que no permiten establecer una regla fija pero sí aproximada.

A la búsqueda de una norma fija, perfecta y matemática , se dedicó Leonardo da Vinci. Lo mismo que estudiaba las proporciones del cuerpo, estudió también las relaciones entre las partes del rostro, y como expresarlas geométricamente.
Veamos estos dos ejemplos de sus estudios.

El primero es un estudio ideal de una cabeza, inscrita en una circunferencia . Establece el punto ideal del nacimiento del pelo como centro de una circunferencia que abarcaría nariz y borde de la oreja .

El segundo es uno de sus estudios de anatomía. En él al dibujo de un hombre real, posiblemente un cadáver, Leonardo superpone una cuadrícula que relaciona frente con barbilla, párpado con oreja, etc. El esquema de proporciones es una gran ayuda si se quiere profundizar en las proporciones subyacentes, pero para un artista como Leonardo estas relaciones se establecen de forma natural, sin ayuda de reglas. Por así decirlo, le sale solo.

Boceto para la "Batalla de Anghiari"

Pero el esquema interior está ahí, aún en el dibujo más rápido. Si enmarcamos el rostro en un cuadrado, que subdividimos en cuatro partes iguales, tanto verticales como horizontales, encontramos que se mantienen las relaciones entre ojo y oreja y la vertical del rostro y la barbilla. .

Y el dibujo es paradigmático. Es una imagen masculina ideal, la de su discípulo Salai, al que Leonardo admiraba por su belleza de efebo.

Parece fácil acometer un retrato de perfil, pero no lo es tanto. Hace unos días, visité la cripta de los duques de Alba en Loeches, Madrid. Al parecer , según nos contó nuestro compañero Javi, por esa cripta , donde hay unas pocas tumbas , pasó el oro de Moscú. Y con él , tendrían que ir unos milicianos que se entretuvieron dibujando en las paredes. Había varios dibujos, algunos simples garabatos, pero me gustaron especialmente dos.

Porque me recordaron los errores que comenten mis alumnos cuando les he pedido que hagan un retrato. El primero,es este dibujo de una mujer fumando, una miliciana seguramente.

Hay que fijarse en el ojo. Su forma tiene que ser mucho más triangular, pero lo que desconcierta más es la situación. Tiene que ir situado justo a la altura del puente de la nariz, en esa incursión de la linea de la frente hacia dentro. Y no demasiado pegado al borde. Sin embargo, es un error que se perpetúa en los adultos que no han perfeccionado su dibujo desde la adolescencia .
El segundo es la altura de la oreja. Como hemos visto,tiene que estar en horizontal con el párpado, milímetro arriba , o abajo. Pero es frecuente ponerla mucho más abajo.
Y el tercero, el tamaño del cráneo. El rectángulo señala lo pequeño de su tamaño. Comparemos con el retrato de Salai.Es una lucha convencerles de que el cráneo es muchísimo más grande. Suelen "comerse" una tercera parte, e incluso dudan si se lo comento y dicen : Pero eso es un cabezón.Quizá si se lo ven a Leonardo acaben por creerme.

El motivo de este error es que fijamos atención en los rasgos más importantes del rostro , las lineas de la cara, y lo demás es sólo un complemento, carece de importancia. En un retrato de frente, la cara ocupa la mayor parte del espacio, y la frente y el nacimiento del cabello queda definida con unas lineas escasas.

Miremos en cambio este otro. En mi opinión no fue realizado por la misma mano, porque demuestra una seguridad en la colocación de los rasgos de un dibujante bastante experto. Aún así tiende a hacer la parte visible de la pupila muy grande, cuando la verdad es que queda oculta por el párpado. Pero conceder una importancia excesiva a los ojos ha sido muy frecuente en las representaciones humanas, porque en su expresión se deposita la vida.
No sé cuanto tiempo pasarían en esa cripta. La verdad es que es inhóspita. Me los puedo imaginar jugando a las cartas, bebiendo, contando historias. Alguno de ellos se apartaría del resto para dejar constancia de su presencia, y sus habilidades. Y tuvieron la suerte de que nadie los borrara durante más de setenta años. Quizá no les concedieron importancia, como a tantos grafitis que llevan horadando piedras de nuestros monumentos. Pero bajo ellos late el mismo sentimiento de permanencia que escribía Jan van Eyck en su obra maestra: Estuve aquí.

EL SATURNISMO, UNA ENFERMEDAD ARTÍSTICA

2010-07-01T11:09:00.009+02:00

Saturno devorando a sus hijos.(fragmento). Goya

No hace mucho tiempo, la profesión de pintor hubiera tenido que considerarse de alto riesgo para la salud. La belleza que desprenden blancas veladuras, suntuosas telas , e incluso pequeñas ilustraciones en los códices medievales, costaron la vida y la salud mental a un número indeterminado de artistas.

La enfermedad a la que estaban expuestos se llama Saturnismo. Consiste en una intoxicación por metales pesados, especialmente el plomo. Los síntomas de la enfermedad son : cólicos, dolores de cabeza y embotamiento, en fases leves. Si la enfermedad se desarrolla más, por exposición continuada al plomo, provoca agresividad, sordera y finalmente , la muerte.

Parece ser que fueron los romanos los primeros en sufrir sus efectos perniciosos. Durante las fiestas en honor del dios Saturno, las Saturnales, se consumía una gran cantidad de vino.El vino se preservaba en ánforas forradas de plomo, que se disolvía en la bebida, provocando comportamientos desordenados y enloquecidos que motivaron que se le diera este nombre a este trastorno. Algunos autores señalan que el Saturnismo puede ser la causa de la locura recurrente en los Julio-Claudios ( Calígula, Nerón, ).

Vitrubio, de hecho, ya era consciente del peligro del plomo, y recomienda que se utilice como recubrimiento de cañerías de aguas residuales, pero nunca de aguas potables. Esta enfermedad afectaba más a las clases altas, ya que tenían mayor acceso al vino y a ánforas recubiertas con sustancias sofisticadas.

El envenenamiento lento por metales pesados puede ser rastreado con facilidad, porque queda fijado en los huesos. De esta forma, se investigó sobre los restos de Beethoven, y se llegó a la conclusión de que había padecido Saturnismo.

EL veneno del plomo estaba en pigmentos imprescindibles para los pintores. Tres son los colores más importantes. El primero, el albayalde, o blanco de plomo. Hasta el descubrimiento de los pigmentos sintéticos, el blanco más importante. Muy cubriente, permitía además efectos de transparencia necesarios para las veladuras.

Las magníficas posibilidades del blanco de plomo en el luminoso vestido de la condesa de Chinchón, de Goya.

Su nombre árabe da idea de la universalidad del pigmento. Barato, fácil de obtener, hasta hace poco se usaba para también para pintar paredes, con el consecuente riesgo de intoxicación.

Un luminoso amarillo, el de Nápoles, es el segundo pigmento en importancia. Era de uso muy común , sobre todo por ser económico, desde el barroco. Se basaba en una síntesis química del antimonio. Es poco cubriente, pero sus competidor el amarillo índigo es mucho más caro y el ocre amarillo no permite los matices untuosos y brillantes.

Cesto con frutas, de Caravaggio.

El bodegón se recorta sobre el fondo amarillo de Nápoles.

Y el más peligroso de todos, por lo fácil de encontrar , se utiliza desde muy antiguo, es el tetróxido de plomo, o en lenguaje común , el minio. Es un pigmento rojo anaranjado, que se encuentra de forma natural, en concreto proviene de las márgenes del Miño. Y se utilizó sobre todo para iluminar códices y manuscritos medievales. Del minio proviene la palabra miniatura.

Beato de Fernando II y Doña Sancha.
El minio da los tonos rojo-anaranjados del fondo.

Hasta hace poco se usaba como antioxidante, para proteger superficies expuestas a la intemperie. Todos ellos son tan tóxicos que están prohibidos. Todavía se puede encontrar amarillo de Nápoles, pero es una imitación química sin peligro alguno.

El Saturnismo tiene un aura especial en su relación con el arte. Desde Vasari, el artista ha sido valorado según un código de comportamiento especial en el que destaca la excentricidad. La violencia, los excesos, los ataques temperamentales, todo ello está asociado con los artistas , pero también con Saturno, el dios romano capaz de acciones tales como devorar a sus hijos.

Se atribuye en parte la violencia exacerbada del comportamiento de Caravaggio, que buscaba y provocaba peleas sin motivo alguno , a un saturnismo provocado por su contacto constante con colores tóxicos.

Judith decapitando a Holofernes.
Caravaggio.

También la exposición a pigmentos tóxicos pudo ser la causa de la misteriosa enfermedad de Goya, que le provocó sordera y una creciente misantropía, al igual que Beethoven. Comportamientos que no son raros en la idea que tenemos de un genio artístico.

Arrieta atendiendo a Goya durante su enfermedad.

Algunos estudios recientes atribuyen al saturnismo las crisis periódicas de Van Gogh que le provocaban ataques de agresividad, contra sí mismo y contra los demás.

Van Gogh, autorretrato con oreja cortada.

Estas especulaciones están confirmadas en un caso : el de Marià Fortuny. Fortuny era un gran dibujante y un pintor fascinado por la luminosidad de los colores, que obtuvo la beca de la Academia Española en Roma, donde desarrolló gran parte de su trabajo.

Pero el talento de Fortuny se apagó en plena juventud debido a una mala costumbre: Sujetaba los pinceles con la boca cuando trabajaba en sus acuarelas. Entre las sustancias que introducía en su organismo estaban arsénico (verde),cianuro (azul de Prusia), , mercurio (bermellón)y plomo (blanco y amarillo). Todos ellos metales pesados.

La mirada nostálgica que evoca el pasado como un tiempo en el que el hombre vivía en mayor armonía con la naturaleza, a veces nos hace olvidar las ventajas que ha traído la tecnología industrial. La mayoría de estos pigmentos tienen ahora una imitación sintética que hace prácticamente inocuo el contacto con ellos.

LA RELIGION COMO RECURSO PUBLICITARIO.

2010-06-24T08:12:00.006+02:00

Parece que últimamente se ha convertido en un motivo de inspiración recurrente. Me refiero a valores, expresiones bíblicas, e imágenes que remiten a la iconografía religiosa.
A pesar de que estamos inmersos en una sociedad cada vez más laica, nuestro inconsciente colectivo tiene asimiladas referencias religiosas, en concreto católicas, que hacen reconocibles mensajes que los toman como inspiración.Las agencias de publicidad son muy conscientes de la pervivencia de estas raíces, de otra forma no las utilizarían para construir sus anuncios.
Además aprovechan un valor de la religión muy interesante para ellos, el mandato.Dar órdenes es la especialidad de cualquier religión : qué hacer,dónde ir, cuándo hacer qué, es decir, obedecer. Creo que tiene algunos parecidos con el comportamiento que espera de nosotros la publicidad.

Envuelto en una tentadora Nicole Kidman, adopta la fórmula del Mandamiento. Alguno por ahí lo consideraría blasfemo, quizá no han protestado todavía porque no se han dado cuenta. El uso del futuro es muy restringido en nuestro lenguaje, (¿miedo a tentar la suerte?). Suena arcaico y amenazante.
Atención al uso del color del pelo, por efecto del Photoshop, de un falsísimo amarillo limón, pero que contribuye a reforzar el mensaje.

Un perfume con forma de manzana, ofrecido por una tentadora Eva. Para reforzar la asociación, el perfume es de DKNY. Es decir, que además de la forma de la manzana, la metáfora-manzana, fruta prohibida, la asociamos con la Gran Manzana, Manhattan.

He escogido esta Eva de Durero para la referencia iconográfica. La imagen del arquetipo de la belleza femenina sostiene en su mano la tentación. Pero en este caso para indicar el valor negativo del fruto aparece a su lado la serpiente.Nuestra Eva del siglo XXI, no pretende evitar la tentacón , sino que caigamos en ella. El texto del mensaje es, nuevamente una orden. En inglés, que el público al que va dirigido presume de cosmopolita.

Nuestra sociedad , obsesionada por la salud, demanda productos que se le venden con un plus de pureza. En este caso una jarra que filtra el agua. El lenguaje iconográfico remite al bautismo, ya que la mujer recoge con fervor religioso el agua , pero además a la historia bíblica del Maná. El milagro de la lluvia de comida y bebida sobre el pueblo hambriento es una llamada al consumo de algo que ya teníamos y pagaremos más caro, el agua.
Hay que fijarse en el estilismo de la mujer: el cabello y el vestido. Podría haber actuado e una serie bíblica.
Y para terminar con esta imagen, no me olvido de que también tiene una referencia sexual bastante explícita, al menos para mentes retorcidas como la mía.

Y las nuevas tecnologías no podían faltar. En este caso , además del simbolismo religioso, es muy importante el cultural. Los dos dedos que están a un paso de comunicarse son una imagen que pertenece al paquete de las referencias artísticas , digamos , de andar por casa. La Creación de Adán hace tiempo que se reconoce , mutilada, en estas dos manos, así que no es necesario recrear la imagen completa. Si en el fresco de Miguel Angel simboliza el origen de la vida, en el anuncio el móvil hereda el poder de "crear", a un golpe de nuestros dedos.
¿No ha querido siempre el hombre ser igual que un dios?

MAQUETAS DE 1º DE ESO

2010-06-18T23:28:00.008+02:00

Hoy colgamos nuestro trabajo de las últimas dos semanas, que buen esfuerzo nos ha costado.

El motivo del ejercicio era realizar una maqueta que incluyese poliedros en cartulina. Para realizar un acabado que permitiese ser creativo en detalles y ambientación, se les pedía que la maqueta fuera de inspiración histórica.
En primero de ESO se estudia empieza a estudiar historia , en concreto historia antigua, y el libro de sociales les ha servido para buscar información . Pero también hay algunos que han preferido un entorno más contemporáneo, como su propio instituto.

Enrique C., Victor, Nader y Daniel hicieron este castillo, con puente levadizo y foso.

Ana S., Andrea, Patricia y Pamela construyeron las pirámides. La que liaron con la arena....pero ha quedado genial, con palmeras y barcos gigantes.

El castillo asediado de Enrique P., Alejandro, Markus e Iván. Tiene foso, puente y tiendas de campaña donde se aloja el ejército invasor.

Las pirámides mayas inspiraron la maqueta de Pablo, César y Javier, todas ellas rodeadas de selva tropical.

Sergio, Alejandra y Mario han construído el instituto de la Poveda, al que no le falta detalle. Bueno, algunos dicen que las mesas de Ping Pong.

y aquí tenemos el magnífico Nilo de Rubén, Juan C, Juan F y Javier G. Fenomenal de cuidado y trabajo , con tanta atención a los detalles.

El poblado prerromano de Alba, Sanae, Rabia y Sonia tiene hasta huerto.

Entre Paula y Yedra se construyeron estas seis pirámides, todas con sillares igualitos , dibujados con cera. La arena es pan rallado, porque pesa menos y da mejor el tono del desierto.

Este ha sido vuestro último trabajo del curso y lo habéis realizado tan bien que yo creo que es el broche de oro de este curso, como han podido ver todos los que han pasado por la exposición. Espero que el año que viene , que no dáis plástica, no olvidéis todo lo que hemos aprendido y que sigáis siempre con la misma ilusión que ahora tenéis.

Gracias a Alberto, Javier C, Javier S, Rodrigo, Lolián y Mario por la ayuda para hacer estas fotografías.

MUCHAS FELICIDADES Y QUE PASÉIS UNAS ESTUPENDAS VACACIONES.

NO PIENSES Y COMPRA

2010-06-15T22:10:00.005+02:00

Un simple paseo por las calles de Madrid te puede deparar carteles publicitarios ante los que sólo cabe la indignación .
En otras ocasiones he mostrado algunos de los mecanismos de la publicidad para motivar nuestros deseos, e incitarnos a consumir. En general todos ellos son manipuladores, pero al menos , apelan a la inteligencia del espectador , cuando adoptan estrategias que se dirigen a su inconsciente. Es decir, interpretan que el receptor no es tan dócil ni tan estúpido como para obedecer la orden : COMPRA. Así que se esfuerzan en disfrazarla.
Vamos a ver tres anuncios que necesitan muy poca interpretación:

Esta bonita advertencia está en una gran multinacional de ropa. Apela directamente al impulso de la compra, obviando que una compra, ya es una decisión.

La política de la empresa sabe muy bien que una vez hecha una compra resulta muy difícil desprenderse de ella, aunque a veces se pudra en el armario; con lo que las devoluciones son mínimas. El efecto de los 30 días es aún más disuasorio. Funciona así: Como tengo 30 días, dilato la decisión hasta que , o bien me olvido, o he perdido el ticket.

El mensaje de esta valla es tan directo como mentiroso. Efecivamente, si haces una compra con ellos , harán lo posible para que no seas CONSCIENTE de qué estás comprando. Pero claramente es a plazos: Sin intereses , sin gastos. Recordemos que eso sería aparte sobre el precio marcado. Pero como lo vamos a pagar a plazos, el efecto de dilación y división de las cuotas hace que se minimice el efecto en nuestra economía.
Bien grande , que la financiación es gratis (otro extra del que nos libramos).
El cliente, como es tonto, no tendrá ningún problema en seguir las indicaciones de su querida tienda que vela por sus intereses.

Y por último, esta belleza para clientes inteligentes ¿Y quién quiere clientes inteligentes?
Está claro que los tres verbos que causan rechazo en las empresas (DECIDIR, ENTERARSE,PENSAR) pertenecen al campo de los relacionados con las acciones meditadas y conscientes. Todos ellos enunciados en negativo . Y además , sin ni siquiera molestarse en ponernos una simple foto que nos haga desear ser como esos maravillosos modelos.

Eso es ahorrar en campañas, ahora que estamos de recortes. El Buen Ciudadano, que quiere levantar la economía, entenderá el mensaje y cumplirá con su deber de consumidor.

Aunque no piense.

PINTURAS METAFÓRICAS EN “PSICOSIS”

2010-06-11T17:58:00.009+02:00

Desde el estudio de Eugenio Trías “Lo bello y lo siniestro”, a nadie le sorprende ya encontrar relaciones metafóricas subliminales en las películas de Hitchcock. Aunque la mayor parte del estudio está dedicado a Vértigo, también aparecen referencias a Psicosis, como la asociación entre el fotograma del desagüe de la ducha y el ojo muerto de Janet Leigh, que el autor describe como una imagen terriblemente cruel.

Me había pasado desapercibido , por el contrario, el escenario del diálogo entre la víctima y el asesino en la secuencia previa a la ducha. El otro día , al volver a verlo, me descubrí ante la complejidad del mensaje que construye aquí el maestro del suspense.

Situémonos en el momento. Marion Crane ha llegado al motel Bates, que regenta un jovencito inseguro, Norman. Como el restaurante más cercano está muy lejos, él le ofrece algo de cena, pero pronto se escucha el diálogo entre el chico y su madre. Ella escucha cómo la madre la tacha de pelandusca, y a continuación Norman, algo avergonzado, le ofrece unos bocadillos en la propia oficina, para no ofender a su madre.

Los personajes inician una conversación tensa,marcada por lo que se ha escuchado antes. Ella, incómoda y con un punto de desprecio por su debilidad. Él, amable y vacilante, disculpa educadamente la situación. Pero el escenario nos muestra la situación solapada que no se cuenta en las palabras.

Por una parte, La iluminación muy contrastada resalta las formas amenazantes de las aves disecadas, que sólo aparecen al lado de Norman, como mostrando el verdadero trasfondo de un ser inofensivo en apariencia. Este mismo efecto es resaltado por el contrapicado del plano.

La cámara capta siempre a Marion en angulación normal, lo que potencia el efecto anterior. Pero es que además de las aves disecadas, en la pared hay dos cuadros. Y esos cuadros cuentan una historia.

El primero de ellos, a la izquierda, es la “Toilette de Venus”. Es una pintura de Tiziano y del que realizó una versión Rubens. Muestra a una mujer, la reina de la belleza, ejerciendo su poder de seducción. Y eso es precisamente lo que está pensando Norman , que se siente atraído por ella , pero tiene que dominar sus instintos. Es fascinante cómo el mensaje queda resaltado por esta imagen , en la que no me había fijado antes.

Venus y Cupido, versión Tiziano.

Pero además , hay otro cuadro. No está muy visible, pero es un desnudo femenino que se ve atacado por dos personas. Es decir, la atracción sexual ha llevado a la violencia. No me ha sido posible encontrar el autor y definir con precisión el tema del cuadro, pero la idea general está clara. Como todo el mundo sabe, la pareja se despide educadamente, con lo que se acaba el diálogo y la secuencia, pero…el cuadro todavía tiene algo que decir.

Cuando sabe que Marion está en la habitación contigua, Norman se acerca al cuadro y lo descuelga.

Es , sin duda, una escena de baño, se ve una fuente, y me siento inclinada a decir que se parece a la iconografía de la historia bíblica de Susana y los viejos. De todas formas, como no he podido encontrar el cuadro original, si alguien lo conoce , admito rectificaciones.

Recordemos brevemente la historia: Susana es una joven muy hermosa, que un día se está bañando , y es espiada por dos viejos. Es una historia de voyeurismo que acaba bien para ella. Como se niega a acostarse con ellos, la acusan de ser una esposa infiel. Finalmente el profeta Daniel pone paz , demostrando las malas intenciones de los viejos y la inocencia de Susana. No es casualidad que se haya elegido para esta secuencia.
En este caso, es el cuadro que oculta el agujero por el que Norman puede ver a Marion –como una Susana moderna- desnudándose para meterse en el baño. Claro que no se limita a mirar, como los viejos, también intenta algo más, pero en este caso acaba bastante mal para la pobre Marion.

La riqueza de lecturas que nos propone una secuencia de una película considerada, de entretenimiento no es casual. Todo el cine de Hitchcock está teñido de estas referencias simbólicas , a veces muy ocultas, que contribuyen a hacer más complejo el mensaje visual de las escenas. Es bastante conocida la importancia de la inspiración pictórica para la construcción de algunos de sus escenarios, como por ejemplo , la propia casa de Psicosis, copiada de Hopper.

Pero además de estas referencias escénicas, en este caso, Hitchcock se sirve la pintura barroca, de forma muy sutil, para escenificar las pulsiones internas de sus personajes. Los cuadros muestran con mayor crudeza la naturaleza de las relaciones entre los personajes. Recurriendo a la pintura está soslayando la censura. La Venus es la primera parte de la historia, la atracción por la belleza, y el segundo cuadro es la catarsis que culmina la atracción. Como Norman Bates no puede relacionarse con normalidad con las mujeres, ( mejor ver la película para saber por qué), tiene que reprimir está pulsión y manifestarla de otra forma, primero como un voyeur y después con violencia. Y en estos dos cuadros está la sinopsis de la película. Deseo , pecado y culpa.Temas muy barrocos, por otra parte. Al utilizar estos metalenguajes, Hitchcock está contribuyendo a crear un lenguaje propio de una de las artes visuales más complejas: el Cine.

Las imágenes de la película están tomados de esta web http://www.hitchcockwiki.com/ donde se pueden encontrar fotogramas de todas las películas de Hitchcock.